Hören Sie James Brown mit Christian McBride

May 02, 2023

Als neuer Qobuz-Botschafter ist es mir eine Freude, diese individuelle James Brown-Playlist zusammenzustellen.

Es wäre viel zu einfach, eine Playlist von James Brown mit Songs zu stapeln, die in Hip-Hop-Klassikern gesampelt wurden. Ich halte es nicht nur für meine Pflicht als Qobuz-Botschafter, sondern auch als Botschafter des musikalischen Erbes von Mr. Brown, tiefer zu graben, als man es normalerweise auf den meisten DSPs sieht oder hört.

Zunächst einmal hat James Brown schon lange vor „Papa’s Got a Brand New Bag“ und nach „Funky President“ ziemlich unglaubliche Musik gemacht. Zwischen diesen beiden Songs aus den Jahren 1965 und 1975 liegt die Grundlage des Hip-Hop und nahezu jeder Form zeitgenössischer amerikanischer Tanzmusik. Aber auch zwischen diesen beiden Songs (und darüber hinaus) liegt eine Fülle bemerkenswerter „Deep Cuts“, die jedem Jazzmusiker, Musikwissenschaftler und James Brown-Fan gefallen sollten. Ich habe ein paar dieser tiefen Schnitte ausgewählt.

Lasst uns anfangen, ja?

„Please, Please, Please“ (aufgenommen 1955)

Ich fühle mich verpflichtet, dies aufzunehmen. Obwohl dies kein tiefer Einschnitt ist, ist es im wahrsten Sinne des Wortes der Beginn von James Browns Vermächtnis. Das erste Lied, das er jemals aufgenommen hat.

„Mashed Potatoes USA“ (aufgenommen 1961)

Textlich ähnelt dieses Lied seiner im selben Jahr aufgenommenen Version von „Night Train“. Brown, der seinen Tourplan praktisch frei gestaltet (genau wie in „Night Train“), gibt uns einen gesanglichen Vorgeschmack auf die neue Musik, die er einige Jahre später in diesem Jahrzehnt schaffen würde.

„I've Got Money“ (aufgenommen 1961)

Sprechen Sie über einen Vorboten der kommenden Dinge! Clyde Stubblefield und John „Jabo“ Starks sind zu den berühmtesten und weltweit anerkanntesten Schlagzeugern im musikalischen Erbe von James Brown geworden. Leicht zu verstehen, da sie bei den meisten von Browns größten Hits mitgespielt haben. Sie traten jedoch beide in die Fußstapfen eines gewissen Clayton Fillyau. Lassen Sie es mich als Jazzhistoriker so sagen: Wenn Clyde und Jabo Max Roach und Roy Haynes sind, dann ist Fillyau Kenny Clarke. Der Beat, den Fillyau in diesem Song spielt, ist ein Waterspan. Wenn Sie diesen Song in eine DAW einfügen und ihn verlangsamen, hören Sie den Kern von „Get On The Good Foot“, „Make It Funky“, „There Was a Time“ und mehr. Nach Fillyaus Ausscheiden aus Browns Band im Jahr 1964 war eine von Browns liebsten Drohungen an seine nachfolgenden Schlagzeuger: „Ich bringe Fillyau hierher zurück und bringe euch alle in Ordnung!“ Clayton Fillyau aus Washington, DC, ein unbesungener Held.

„Oh Baby, Don't You Weep“ (aufgenommen 1964)

Als ich dieses Lied als Kind zum ersten Mal hörte, war mein erster Gedanke: „James SANGT darauf!“ Ich habe es immer geliebt, wenn Brown in seine 6/8-Gospel-Tasche schlüpft. Brown hätte leicht ein Pfingstpfarrer sein können. Sein Gesang ist hier „sho‘ nuff bad“. Im Gegensatz zum Titel des Originalalbums wurde dieser Titel nicht live aufgenommen. Es wurde im Studio aufgenommen, später mit überspieltem Applaus und Publikumslärm versehen und dann als Last-Minute-Ergänzung zum Live-Album „Pure Dynamite!“ von 1964 hinzugefügt! Album.

„Sidewinder“ (aufgenommen 1965)

Wussten Sie nicht, dass James Brown ein Hardcore-Jazzkopf ist, oder? Brown war sich immer darüber im Klaren, dass seine Band keine gewöhnliche R&B-Band sein würde, wenn er über Jazz-erfahrene Musiker verfügte. Während seiner Konzerte in den 60er Jahren spielte Brown in seinem Eröffnungsorgelset immer Jazz-Hits des Tages, wie „Song For My Father“ von Horace Silver und Lee Morgans Soul-Jazz-Hit „The Sidewinder“. Brown wollte immer Jimmy Smith sein.😂

„The Thing in ‚G‘“ (aufgenommen 1962)

Mehr geradliniger Jazz vom King of Soul. Für eine sogenannte R&B-Band gibt es hier ordentlich Swing! Mit Lewis Hamlin an der Trompete, Al „Brisco“ Clark am Tenorsaxophon, Brown an der Orgel, Les Buie an der Gitarre, Bernard Odum am Bass und Jimmy Robinson am Schlagzeug. Dieser Track war prestigewürdig! (Prestige war ein beliebtes Jazzlabel, das in den 60er Jahren stark auf Soul-Jazz setzte.)

„Fat Bag“ (aufgenommen 1966)

Die gefühlvolle Raupe beginnt sich in einen flippigen Schmetterling zu verwandeln. Die Musik wird deutlich funkiger. 1966 hatte JB mit „Papa's Got a Brand New Bag“ bereits einen Schlussstrich gezogen, aber bei diesem Track liegt der Fokus viel mehr auf dem Groove als auf der musikalischen Struktur. Ja, es gibt eine Struktur, aber wir können spüren, dass der Vamp immer mehr zu einem Faktor wird. Saxophonsolo von Nat Jones.

„Night Train“ (aufgenommen 1967)

Zum Zeitpunkt dieses Auftritts im Latin Casino in Cherry Hill, New Jersey, im Januar 1967 galt Brown einhellig als die beste Bühnenshow in der schwarzen Musik. Dies ist eine absolut BRANDENDE Version von „Night Train“, aber ich nicht Kennen Sie jedoch die lange, mühsame, fast schmerzhafte Comedy-Routine in der Mitte!😆

„Let Yourself Go (Instrumental Jam)“ (aufgenommen 1967)

Das hier ist bahnbrechende Geschichte; lass es mich einrichten. Zunächst einmal wurde dies auf der Bühne nach der Show im Latin Casino aufgezeichnet, nachdem das Publikum den Raum verlassen hatte. Zum großen Ärger der Band tat Brown das oft – er hielt sie noch lange nach dem Ende des Auftritts fest, um zu proben und manchmal auch aufzunehmen. Oft wurde die Band erst um 5 oder 6 Uhr morgens entlassen. Doch in diesem Fall veränderte sich die Musik schnell durch die Proben. Dies ist einer der letzten JB-Songs, der eine gewisse Songstruktur verwendet, bevor er mit dem Freestylen über einem Vamp endet, was, aus einer Gospel-Tradition stammend, für Soul-Künstler zu dieser Zeit Standard war. Vielleicht erkennen Sie den Endeffekt dieser Melodie an dem, was später zu „There Was a Time“ werden sollte, aber da ist noch mehr. Die meisten Funk- und Soul-Historiker nennen „Cold Sweat“ als das erste Kapitel des Funk. Das subtile, aber sehr bedeutsame Drum-Pattern mit seinem Snare-Drum-Pop (sorry, da spricht ein kleiner Musiker ...) setzte einen neuen Standard für schwarze Musik. Als ich hörte, wie Clyde Stubblefield etwa vier Monate vor der Aufnahme mit dem „Cold Sweat“-Groove auf „Let Yourself Go“ experimentierte, war ich überwältigt! Interessanterweise verwendet die letztendlich aufgenommene und veröffentlichte Version von „Let Yourself Go“ nicht den „Cold Sweat“-Groove. Es verwendet einen einfachen Snare-Beat auf allen vier Schlägen. Ich frage mich, ob Brown noch nicht von dem ausgefallenen Snare-Muster überzeugt war? Vielleicht gefiel es ihm, aber er fand, dass es nicht zu diesem Lied passte? Es spielt keine Rolle. JB und Clyde geben uns in dieser Probenaufnahme einen Ausblick auf die Zukunft, die nahe Zukunft.

„Kansas City (Live at the Apollo)“ (aufgenommen 1967)

James Brown machte seine Live-Show in Sets. 1967 begann die Show normalerweise mit einem Instrumentalsatz der Band (wobei Brown oft an der Orgel mitspielte), dann spielte Brown seinen „Warm-up“-Satz und sang Standards und Balladen wie „I Wanna Be Around“, „If „I Ruled The World“, „That's Life“, „I Guess I’ll Have To Cry, Cry, Cry“ usw. (Verdrehen Sie es nicht, JB war „Soul Brother No. 1“, aber er hat es versucht für etwas von dieser Vegas-Beute! 😆 ) Aber um dem Publikum einen kleinen Vorgeschmack auf das zu geben, was kommen würde, beendete er seinen ersten Auftritt oft mit „Kansas City“ von Lieber & Stoller. Ich kann garantieren, dass Jerry Lieber und Mike Stoller, als sie Brown ihr Lied singen hörten, nie gedacht hätten, dass sie es so hören würden! Außerdem hat noch nie ein Schlagzeuger so gemixt wie Jabo Starks. Meine Güte, dieser Mann konnte grooven!

„It’s A Man’s, Man’s, Man’s World (Live at the Apollo)“ (aufgenommen 1967)

Nach einer ersten Reihe von Standards, Balladen und einem „Kansas City“-Teaser würde man nicht wirklich erwarten, dass er für seine zweite Reihe mit einer weiteren Ballade zurückkommt, oder? Er würde nicht nur eine weitere Ballade singen, sondern dies würde vor allem das einzige Lied sein, das er in diesem zweiten Set sang. Allerdings ist die pure Dramatik, die er aufrechterhalten und dann fast 15 Minuten lang aufbauen konnte, pure Genialität. Es wird niemals langweilig.

„Get It Together“ (aufgenommen 1967)

Das war schon immer einer meiner persönlichen Favoriten. Es ist die Inspiration für mein Lied „Gettin‘ To It“. Es ist auch interessant, einen 3-2-Soul-Clave-Drum-Beat zu hören. Was ist ein „Soul-Clave“-Drumbeat? Ein Southern-Soul-Schlagzeuger, der lateinamerikanische Grooves interpretiert😆. Aber dieser Song ist auch einer meiner absoluten Lieblingssongs, weil Brown in der zweiten Hälfte des Tracks einfach so viel Spaß mit der Band hat, dass es sich fast um eine Probe handelt, die die ganze Welt hören kann. „St. Clair, ich werde dich nicht zum Spielen auffordern, Jack, denn dein Horn ist zu groß! Mann, du hast da drüben zu viel Horn!“

„I Got the Feelin‘“ (aufgenommen 1968)

Clyde Stubblefield ist eiskalt dabei. Im Januar 1968, als dies aufgenommen wurde, gab es keinen Schlagzeuger, der so spielte, in einer Band wie dieser, angeführt von einem Mann wie James Brown. Als dieser Song auf den Markt kam, hatten Brown und seine Band zweifellos die Nase vorn.

„Shades Of Brown“ (aufgenommen 1968)

Brown greift wieder an die Orgel. Als ich dieses Lied zum ersten Mal für meinen lieben Freund, den verstorbenen, großartigen Joey DeFrancesco, spielte, waren wir noch in der High School. Ich habe ihn mit verbundenen Augen getestet. Er sagte: „Ich weiß, das ist nicht Jimmy [Smith]. Ist das [Jimmy] McGriff?“ James Brown wäre geschmeichelt gewesen. Eigentlich nein, er wäre beleidigt gewesen, weil Joey nicht glaubte, er sei Jimmy Smith 😆. Diese Melodie ist ein weiterer schwungvoller Shuffle für James zum Jammen. Interessanter Hinweis: Wann immer Brown einen schwungvollen Blues- oder Jazz-Shuffle brauchte, war John „Jabo“ Starks sein Schlagzeuger. Diesmal überlässt er es Clyde Stubblefield. Auch Clyde zeigt allen, dass er den Shuffle rocken kann.

„Licking Stick – Licking Stick“, „There Was A Time“ (live aufgenommen in Dallas, TX, 26. August 1968)

Meiner bescheidenen Meinung nach könnte man sagen, dass James Brown im Sommer 1968 den Höhepunkt seiner Fähigkeiten als Sänger und gesellschaftlicher Einfluss erlebte (als „Say It Loud – I'm Black and I'm Proud“ im August veröffentlicht wurde), und Kassenauslosung. Das Gleiche könnte man auch von seiner Band sagen. Diese rhythmischen Experimente von 1967 in „Let Yourself Go“, „Cold Sweat“ und „Get It Together“ blühten im Sommer 1968 voll auf und beeinflussten die gesamte Musik um sie herum. Auch Motown begann, Browns Beispiel zu folgen Atlantic Records. Jazzmusiker konnten es nicht ignorieren und Brown wusste es. Aus diesen Gründen kann ich ohne Zweifel sagen, dass meine Lieblings-Liveaufnahme von James Brown das Album ist, aus dem diese beiden Titel stammen: Say It Live und Loud: Live in Dallas, 08.26.68. Die Band ist in Flammen, James' Stimme ist STARK und das Publikum ist verrückt! Das würde man als Trifecta bezeichnen. Diese Version von „There Was A Time“ ist einfach umwerfend. Einer der wenigen Tracks, bei denen Sie beide Schlagzeuger mitwirken hören können – Clyde Stubblefield am kompletten Schlagzeug, Nate Jones spielt fast ein sekundäres Snare-Drum-Pattern. Es ist verblüffend, wie Brown dieses Live-Album fast 30 Jahre lang im Regal liegen ließ.

„Ich will nicht, dass mir niemand etwas gibt (Mach die Tür auf, ich hole es mir selbst)“ (aufgenommen 1969)

Vielleicht haben Sie von Bootsy Collins oder George Clinton gehört, dass das wichtigste Element des Funk „das Eine“ sei, was Bootsy direkt von Brown gelernt hat. Es gibt kein besseres Beispiel für eine Gruppe von Musikern, die den ersten Takt jedes Takts durchhalten, als dieses. Die Art und Weise, wie Clyde Stubblefield, Bassist Charles Sherrell und der legendäre Gitarrist Jimmy Nolen während des gesamten Tracks auf diesem D7#9 einschlagen, ist fast so, als würde eine Abrissbirne ein Gebäude zertrümmern. SO betonen Sie das „Eins“ in der Tat. Übrigens, ist Ihnen die Geheimwaffe bisher in so vielen von Browns Hits aufgefallen? Maceo Parkers Saxophonsoli. Er ist sowohl der MVP dieses Tracks – und vieler anderer – als auch der Rhythmusgruppe.

„Give It Up or Turnit A Loose“ (aufgenommen 1968)

Am beliebtesten ist die Version dieses Liedes geworden, die zwei Jahre später, 1970, mit Clyde Stubblefield am Schlagzeug und den Collins-Brüdern Bootsy und Catfish am Bass bzw. an der Gitarre aufgenommen wurde. Diese Version ist zu einem festen Bestandteil der DJ-/Hip-Hop-Community geworden, da Clyde und Bootsy einen direkt fiesen Drum-and-Bass-Breakdown spielen. Allerdings enthält diese Originalversion von 1968 mit dem Schlagzeuger Nate Jones einen unbesungenen Funkster. Für einen kurzen Moment zwischen dem Frühjahr 1968 und dem Frühjahr 1969 sah John „Jabo“ Starks weniger Spielzeit bei dem Auftritt. Clyde spielte den größten Teil der Spielzeit, da der absolute Funk von Browns Musik perfekt zu Clydes Stil passte, aber Brown hatte immer mindestens zwei Schlagzeuger, nicht nur aus musikalischen Gründen (unterschiedliche Gefühle für verschiedene Songs), sondern auch wegen Der schiere Output pro Show ist zu viel für nur einen Schlagzeuger. Nate Jones wurde für ein Jahr der zweite Schlagzeuger. Für mich fühlt er sich ein wenig wie Clyde, aber mit Jabos Berührung. Weitere gute Beispiele von Nate Jones mit Brown finden sich auf dem Album „Say It Live and Loud“ und auf der Single „She’s The One“ von 1969. Sie können Jones auch auf YouTube beim Spielen mit Brown sehen – beim Auftritt im Januar 1969 in der Mike Douglas Show (wo Brown den blauen V-Ausschnitt trägt) und, am bekanntesten, in der März 1969-Folge von The Hollywood Palace, moderiert von Sammy Davis, Jr.

„Ain’t It Funky Now“ (aufgenommen 1969)

Ich bin mir nicht sicher, ob man diesen Jam jemals als „Lied“ oder „Melodie“ hätte bezeichnen können. Es ist einfach ein Vamp ohne Text und mit einem seltsamen 10-taktigen ... „Bridge?“ Aber für mich gibt es keine besseren James Brown-Jams als solche, bei denen er die Band ihr Ding machen lässt, während er Wünsche äußert, Kommentare abgibt, Meinungen abgibt und andere Äußerungen macht. Es gibt nichts Unterhaltsameres, INSBESONDERE wenn eines von JBs Orgelsolos im Spiel ist. Ahmir „Questlove“ Thompson und ich rezitierten während unserer High-School-Zeit fast wörtlich Browns Dialog aus diesem Titel. So viele Juwelen hier:

„Kush, du solltest dich schämen. Lass das kleine Horn in Ruhe!“ "Ruhig sein!" „Lass mich in mein Ding steigen!“ „Gestern, Clyde.“ „Lass dich nicht so sehr darauf ein, Jab. Jab! Warum willst du dich so sehr darauf einlassen, Bruder?“ „Lass es heraussickern.“

Und dieser Austausch:

Brown: „Sag mal, Jabo … Bruder. Gefällt es dir?“

Jabo: „Sho‘ ist jetzt unkonventionell.“

Brown: „Gefällt es dir?“

Jabo: „Ist jetzt abgefahren!“

Brown, leicht kichernd: „Guter Gott. Gefällt es dir?“

Jabo: „Yeeess, jetzt ist es abgefahren.“

Brown: „HA! HA! HA!“

😆🤣😂

So unterhaltsam dieser Titel auch ist, es gab zu dieser Zeit ein Ereignis, das das Fundament der Band erschütterte. Es würde einen langsamen, aber stetigen Dominoeffekt auslösen – das Herz und die Seele der Einheit, Pee Wee Ellis, traten zurück.

„Give It Up or Turnit a Loose“, „Mother Popcorn“ (live aufgenommen in Augusta, Georgia, 1. Oktober 1969)

Es ist Sommer 1969 und Browns Stern ist heller als je zuvor. Er ist zu einem echten Sprecher und Unternehmer geworden. Er kaufte ein Restaurant, schuf „Black and Brown Stamps“ (die so etwas wie Sozialhilfe-Briefmarken waren), kaufte zwei (weitere) Radiosender, trat beim Nixon-Eröffnungsball auf, hatte eine monatliche Kolumne im Soul Magazine … der Mann rollte. Um all dieses Glück zu feiern, beschloss Brown, im Oktober in seiner Heimatstadt Augusta ein Live-Album aufzunehmen. Allerdings ist etwas Komisches passiert. Melvin Parker, Schlagzeuger und älterer Bruder des Saxophonisten Maceo, kehrte nach einem Einsatz in der Armee zu Browns Band zurück. Da Clyde Stubblefield zwischen 1966 und 1969 bei den meisten Hits von Brown mitgewirkt hatte, erhielt Melvin, der vor Clyde und Jabo Browns Hauptschlagzeuger gewesen war, seinen alten Platz vor Clyde zurück. Während „Live at Home with His Bad Self“ wird der größte Teil des Schlagzeugspiels, das Sie hören, von Melvin und nicht von Clyde oder Jabo übernommen. (Ja, Brown hatte jetzt drei Schlagzeuger auf der Bühne!) Während Melvin in den Originalversionen von „Papa’s Got a Brand New Bag“ und „I Feel Good“ mitspielte, konnte man Clyde als Schlagzeuger nicht als Hauptdarsteller in Browns Musik abstreiten Standpunkt. Aber verstehen Sie mich nicht falsch – Melvin könnte hinwerfen! Die Art und Weise, wie Melvin bei „Give It Up or Turnit a Loose“ ins Spiel kommt, verleiht einem sofort ein „stinkendes Gesicht“, und die Art und Weise, wie er bei „Mother Popcorn“ die Intensität aufrechterhält, ist unglaublich. Ein gutes Argument für den Mann, den James Brown einmal als seinen „Lieblingsschlagzeuger“ bezeichnete. (Kurz nach diesem Konzert gab Clyde jedoch auf. Nur wenige Monate später kehrte er kurz, aber bedeutsam zurück.)

„September Song“ (aufgenommen 1969)

Falls Sie es noch nicht herausgefunden haben: James Brown mochte Jazz wirklich. Ich meine, ich mochte Jazz wirklich. Es ist so ziemlich das, was ihn von seinen Kollegen unterschied. Die meisten seiner Kollegen strebten danach, großartige Sänger zu werden, James Brown strebte danach, ein großartiger singender Bandleader zu werden. Er orientierte sich an Cab Calloway, Louis Jordan, Basie, Ellington, Jimmie Lunceford, Little Richard, Bobby „Blue“ Bland und Ray Charles. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte er mehrere Jazz-Aufnahmen gemacht, die bei seinen Hardcore-Soul-Fans nicht ganz Anklang fanden, und sie waren auch nicht auf Horace Silver/Art Blakey/Cannonball Adderley-Niveau genug, um von Jazz-Fans ernst genommen zu werden, aber er schon ein überragender Gesangsimprovisator (oder Freestyler, für alle im Rap-Bereich). Im Mai 1969, mitten in seiner steigenden Popularität, veröffentlichte er ein Album mit dem Titel „Gettin' Down To It“ (Huch, der Titel kommt mir gefährlich bekannt vor), auf dem Brown mit einem Cincinnati-Trio unter der Leitung von Schlagzeuger Dee Felice zu hören ist. Mit Songs wie „It Had To Be You“, „Chicago“, „All the Way“ und „I Love You (for Sentimental Reasons)“ richtete es sich direkt an das Sinatra/Sammy/Tony Bennett/Vegas-Publikum. Hätte er diese Platte in New York aufgenommen, beispielsweise mit dem Trio von Tommy Flanagan oder Barry Harris, wäre es ganz anders gelaufen. War James Brown ein großartiger Jazzsänger? Joe Williams oder Johnny Hartman war er nicht, aber er war absolut furchtlos und hatte jede Menge Seele; Dafür grüße ich ihn. Im November mit brandheißen Singles wie „Ain’t It Funky Now“, „I Don’t Want Nobody to Give Me Nothing“, „Let a Man Come In“, „Mother Popcorn“ und all dem Popcorn- Mit thematischen Spin-off-Songs, die Brown für Vicki Anderson, Hank Ballard, Bill Doggett und noch mehr schrieb und produzierte und die in den Charts landeten, lud Brown eine Kanone und feuerte seinen ernsthaftesten und ehrgeizigsten Versuch ab, ein echter Jazzsänger zu werden. „Soul On Top“ war ein Big-Band-Album, das (angeblich) nicht fehlen durfte, mit den Hauptdarstellern Louie (Louis) Bellson, Oliver Nelson und Ray Brown. Es gibt durchweg viele interessante Repertoireoptionen, aber diese gefühlvolle Version der alten Kastanie aus dem Musical Knickerbocker Holiday von 1938 wird kaum Gedanken an Kurt Weill, Frank Sinatra oder Nat „King“ Cole hervorrufen. Schließlich ist es die SEELE … an der Spitze!

„There Was a Time (I Got to Move)“, „Talkin‘ Loud and Sayin‘ Nothing“ (aufgenommen 1970)

„Soul Power“ (aufgenommen 1971)

„Sex Machine“ (Liveaufnahme in Paris, 8. März 1971)

Im März 1970 verbreitete sich die Nachricht wie ein Lauffeuer in der Musikindustrie: Das James Brown Orchestra trat vor einem Auftritt in Columbus, Georgia, auf, nachdem eine Liste mit Forderungen nicht erfüllt worden war. Ab Juni 1969 begannen die Kernmitglieder der Band langsam, sich zurückzuziehen. Browns neue ehrgeizige Ambitionen als Sprecher, Geschäftsmann und … Jazzsänger, gepaart mit seinem wütenderen Ego als je zuvor, ließen den Geist der Band verfallen. Als es zur Meuterei kam, waren Pee Wee Ellis, Fred Wesley, Clyde Stubblefield, St. Clair Pinckney und Marva Whitney bereits verschwunden. Die Hauptlast der Bandverantwortung lag auf den Schultern von Maceo Parker.

Allerdings hatten Maceo und die Band (die übrig blieb) genug von Browns militaristischem Drill, übermäßigem Proben, Gedankenspielen und psychischem Missbrauch. Sie beriefen bekanntermaßen vor der Show in Columbus ein Treffen mit Brown ein, brachten ihre Beschwerden zum Ausdruck und forderten unter anderem ein anderes Arbeitsumfeld (Gehaltserhöhungen, keine Proben mehr nach dem Auftritt, keine Geldstrafen mehr usw.), sagte Brown auf der Marke NEIN. Die Band machte eine Kehrtwende, packte ihre Instrumente ein und ließ Brown 30 Minuten vor Showbeginn ohne Band zurück. Brown, der wahnsinnige, intrigante, intrigante und nie zu besiegende Kämpfer, der er war, hatte das Gefühl, dass dies kommen könnte, und so hatte er seit dem Jahr zuvor damit begonnen, ein Auge auf eine junge Gruppe von Männern zu richten Frische und funkige Musiker aus Cincinnati namens Pacesetters, bestehend aus dem 26-jährigen Gitarristen Phelps „Catfish“ Collins und seinem 18-jährigen Bass spielenden kleinen Bruder Bootsy. Als seine Band ihn 30 Minuten vor Beginn der Show verließ, ließ er Bobby Byrd nach Cincinnati telefonieren, um die Pacesetters in einer Bar aufzuspüren, in der sie wöchentlich einen Auftritt hatten. Brown schickte sofort seinen Privatjet, um die Pacesetters abzuholen und zum Auftritt nach Columbus zu bringen. Die Show begann mit fast drei Stunden Verspätung, aber was das verstörte Publikum an diesem Abend sah, war, dass James Brown seinen ersten Auftritt mit einer Gruppe junger, roher Musiker spielte, die dabei waren, den Lauf der Funk-Geschichte zu verändern.

Brown würde sie bald in JB's umtaufen. In den nächsten 12 Monaten übertraf Brown seinen Chart-Erfolg vom Vorjahr und veränderte seinen Sound mit Hymnen wie „Sex Machine“, „Super Bad“ und „Get Up, Get Into It“ zu einem noch moderneren, stärkeren und frischeren , Machen Sie mit." Aufzeichnungen zufolge war Brown fast alle zwei bis vier Wochen im Studio, um mit seinen neuen Truppen aufzunehmen: Instrumentalstücke, Tracks für Bobby Byrd, Vicki Anderson und natürlich den Chef selbst. Mit dem virtuosen Spiel von Bootsy und Catfish, der Hinzufügung des Schlagzeugers Johnny Griggs und vor allem der (kurzen) Rückkehr von Clyde Stubblefield, „I Got To Move“, „Talkin‘ Loud and Sayin‘ Nothing“, „Soul Power, „ und „Sex Machine“ (bei denen übrigens alle Jabo am Schlagzeug mitwirkt) sind nur vier von vielen historischen C-4-Funkbomben, die in diesem Zeitraum von 12 Monaten entstanden sind. Ach ja, die Botschaft dieser Geschichte? Wenn Sie denken, Sie hätten James Brown in die Enge getrieben, dann ist das nicht der Fall.

[Der Vorlauf zu] „Escape-Ism“ (aufgenommen 1971)

Welp, so viel zu dieser bahnbrechenden neuen Band, die Brown ein Jahr lang hatte. 😂 Es stellte sich heraus, dass er sie genau wie seine vorherige Band in den Ruin getrieben hat. Einer der größten Unterschiede zwischen dem, was wir JB-Fans die „Bootsy-Band“ und die „Pee-Wee-Band“ nennen, war, dass Bootsy, Catfish und alle anderen 20-Jährigen in dieser Band Teil der freien Liebesdrogenkultur waren war damals vorherrschend. Sie hatten keine Familie zu ernähren oder zu viele nichtmusikalische Verpflichtungen, also waren sie wild, verrückt und frei von Fantasien. Als Brown eine seiner häufigen wütenden Tiraden von sich gab, wurde Bootsy mit den Worten zitiert: „Wir haben ihn ausgelacht!“ Diese Insubordination machte Brown nur noch wütender und verblüffte ihn dann, als ihm klar wurde, dass er ihnen nicht unter die Haut gehen konnte. Niemand scheint genau zu wissen, ob die Band aufgehört hat oder ob Brown sie gefeuert hat, aber nach nur 12 Monaten suchte Brown nach einer weiteren neuen Band.

Etwa sechs bis sieben Monate nach Beginn der Bootsy-Ära kehrte der Posaunist Fred Wesley zurück. Brown freute sich sehr, ihn zu sehen und bot ihm den Auftritt als musikalischer Leiter an. Er brauchte einen erfahrenen, ausgebildeten Musiker, um die rohe Energie der feurigen Jugendlichen auszugleichen. Aber es muss auch unbedingt erwähnt werden, dass es einen Musiker gab, der sich während dieser berüchtigten Meuterei von 1970 nicht seinen Bandkollegen angeschlossen hatte – Schlagzeuger John „Jabo“ Starks. Laut Starks war er eines der wenigen, wenn nicht das einzige Bandmitglied, mit dem Brown jemals einen persönlichen Vertrag haben musste. Jabo war ohne Unterbrechung sowohl Teil der Band der Pee-Wee-Ära als auch der Band der Bootsy-Ära. Brown beschloss, seine nächste Band rund um Fred und Jabo aufzubauen.

Laut Wesleys Autobiografie „Hit Me, Fred: Recollections of a Sideman“ hatte er nur ein paar Wochen Zeit, um für Brown eine neue Band zu finden, sie zu proben und sie auf eine Reihe von Auftritten vorzubereiten. Als Wesley aufgeregt einige der besten Musiker zusammentrommelte, die er kannte, rief Brown ihn abrupt ab und sagte, er habe selbst einige Musiker gefunden, die er von Wesley ausbilden lassen wolle. Laut Wesley war er äußerst unbeeindruckt, als er die Musiker hörte, die Brown engagierte; Wesley war schockiert über die Amateurfähigkeiten der meisten von Browns Picks. Dies war jedoch die Band, mit der Brown zusammenarbeiten wollte, und so stand Wesley vor der Aufgabe, Anfängermusikern in nur wenigen Wochen den Klang einer Band zu vermitteln, die James Brown würdig wäre. Die erste Live-Aufnahme dieser Band ist Revolution of the Mind: Live at the Apollo, Vol. 1 aus dem Jahr 1971. III, aufgenommen nur zwei Monate nach Beginn ihrer Amtszeit. Eines wusste James Brown mit Sicherheit – dass Fred Wesley ein Genie war (und immer noch ist), denn irgendwie schaffte er es, diese Amateure zusammenzubringen und ihr Funkniveau schnell auf Hochtouren zu bringen. Willkommen in der Fred Wesley-Ära, 1971–1975.

„Hot Pants Finale“ (Liveaufnahme im Apollo Theater, Juni 1971)

„There It Is“, „Get On The Good Foot“ (aufgenommen 1972)

„The Payback“, „Stone To The Bone“, „Mind Power“, „Papa Don’t Take No Mess“ (aufgenommen 1973)

„Coldblooded“, „I Can't Stand It '76′“ (aufgenommen 1974)

Mit Ausnahme von „Hot Pants Finale“ ist keiner dieser Titel besonders tiefgründig, aber sie sind ein klares Beispiel dafür, wie kraftvoll James Browns Musik und Präsenz auch während der Fred-Wesley-Ära noch waren. In den Jahren 1971 und 1972 hatte er insgesamt acht Top-Ten-Hits und war damit eindeutig noch auf dem Höhepunkt seines Könnens. Leider enden vielleicht nicht alle guten Dinge, aber sie werden in Frage gestellt. Im Spätsommer 1972 unterstützte Brown Richard Nixon bei der Wiederwahl. Für einen Mann, der „Say It Loud – I'm Black and I'm Proud“ gemacht hat, war ein großer Teil von Browns Fans ratlos und wütend. Nach Nixons erster Amtszeit als Präsident war klar, dass er nicht auf der Seite der Schwarzen stand. Wie konnte Brown ihn also unterstützen … schon wieder? Fast augenblicklich litten Browns Platten- und Ticketverkäufe darunter. Fans protestierten gegen seine Auftritte mit Schildern mit der Aufschrift „James Brown = Nixons Clown“ bis „VERKAUFT Bruder Nummer Eins“. Aber Brown, der eigensinnige, empörte Mann, der er war, stand eindeutig zu seiner Entscheidung. Als seinen verärgerten Fans klar wurde, dass der Protest seine Meinung nicht ändern würde, tat Brown das, was er am besten konnte: Funken zu erzeugen, den selbst eine unsichere politische Unterstützung nicht aufhalten konnte. Nach einem schwachen Jahr 1973 (zumindest in den Charts) veröffentlichte Brown seine heißeste Single seit „Hot Pants“. Im Januar 1974 erschien „The Payback“. Der Track war so bahnbrechend, dass er Browns Karriere neuen Wind verlieh. Er änderte sein Aussehen mit einem neuen Schnurrbart, aktualisierte seine Show und plötzlich war es wieder wie im Jahr 1969. Ganz zu schweigen davon, dass wichtige Mitglieder der Band aus der Pee Wee-Ära der 60er Jahre zurück waren: Maceo Parker, Jimmy Nolen, St. Clair Pinckney und „Sweet Charles“ Sherrell. Es war wie in alten Zeiten. Hmmmm … alte Zeiten?

Etwas anderes geschah direkt vor James Browns Nase – er wurde ein legendärer Künstler. Manche sind der Meinung, dass die Bezeichnung „Legacy-Künstler“ ein Code für „alt“ sei. Brown wurde 1973 40 Jahre alt. Sicherlich noch lange nicht alt, aber zu dieser Zeit hätte man es für eine Bevölkerungsgruppe mit Rekordkäufern als uralt bezeichnen können. Plattenkäufer im Teenageralter schienen damals Künstlern nicht zu folgen, die ungefähr im Alter ihrer Eltern waren. (Andererseits sahen die alten Künstler auch nicht so jung aus wie heute.) 1973 und mit Sicherheit 1974 begann eine völlig neue Ära von Soul und Funk: The Jackson 5; Kool & The Gang; Erde, Wind; Parlament/Funkadelic; MFSB; Krieg; Mandrill; BT Express; Barry White; Turm der Macht; Die Fatback-Band; Rufus und Chaka Khan; Average White Band und viele mehr waren die neuen, frischen Stimmen des Funk. Einstimmig nannten sie James Brown als Haupteinfluss. Was bedeutete das für Brown? Das bedeutete, dass Mädchen im Alter von 18 bis 25 Jahren nicht mehr sein Hauptpublikum waren. Sie waren jetzt etwas reifer. Brown gab es nie zu, aber Fred Wesley, Maceo Parker und andere, die Mitte der 70er Jahre in seinem Umfeld waren, hatten das Gefühl, dass Brown diese nächste Phase seiner Karriere schlecht gemeistert hatte. Anstatt stolz darauf zu sein, dass er der überragende Held einer ganzen Generation neuer Künstler war, während die Theater immer noch ausverkauft waren und er selbst wichtige Musik schuf, betrachtete er sie als Bedrohung für einen Thron, auf den sie kein Recht hatten. Für Brown bestohlen sie ihn offen und bewusst, als wäre alles eine große Verschwörung.

Brown startete eine persönliche Kampagne, um „seinen Sound zurückzustehlen“. Als die Average White Band 1974 „Pick Up the Pieces“ veröffentlichte, reagierte Brown, indem er mit den JBs einen Instrumentaltrack namens „Pick Up the Pieces, One By One“ aufnahm, der unter dem falschen Bandnamen Above Average Black Band veröffentlicht wurde. Als BT Express 1975 ihre Single „Express“ veröffentlichte, reagierte Brown, indem er eine fast exakte Kopie ihres Titels aufnahm und seine Version „(It's Not the Express), It's JB's Monorail“ nannte. Als David Bowie seine Erfolgssingle „Fame“ veröffentlichte, wurde Brown so wütend, dass er Fred Wesley befahl, Bowies Titel wörtlich zu kopieren, wie er es bei den oben genannten Titeln getan hatte. Brown schrieb einen neuen Text und veröffentlichte ihn als Single mit dem Titel „Hot (I Need To Be Loved, Loved, Loved, Loved)“. Jeder in Browns Lager, insbesondere Wesley, hatte das Gefühl, dass Brown den Bezug zur Realität verlor. Er verbrachte unzählige Stunden damit, Singles zu finden, die seiner Meinung nach nach ihm klangen, und wenn er das Gefühl hatte, dass ein Lied zu viel „James Brown“ enthielt, war er auf der Suche nach dir. Seine Paranoia und Hybris erreichten unglaubliche (und unerträgliche) Höhen. Wesley flehte Brown an, sich keine Gedanken darüber zu machen, was alle anderen taten, und sich auf seine eigene, ausfallsichere Formel zu konzentrieren. Laut Wesley „hatten wir immer noch ernsthafte Panik. Wir hatten reichlich Benzin im Tank.“ Tatsächlich taten sie es.

„I Got You (I Feel Good)“ (aufgenommen 1975)

Das ist nicht das „Ich fühle mich gut“, wie Sie denken. Im Jahr 1975, in dem Brown paranoid und voller Tiraden war, schaffte er es, zwei letzte Soloalben mit den JB's aus der Fred-Wesley-Ära zu machen: Sex Machine Today und Everybody's Doin' the Hustle & Dead on the Double Bump Die Magie ist noch übrig. Auf „Sex Machine Today“ gibt Wesley Browns Klassiker „I Feel Good“ ein Makeover zum 10. Geburtstag. Es ist funkiger, es ist fieser, es ist KILLER! (Andere Anmerkung: Auf demselben Album geht Brown für zwei und … los eine halbe Minute darüber, wie jeder ihn bestiehlt und ihm keine Anerkennung für den Titel „Dead On It“ schenkt. Ich habe diesen Titel nicht für meine Playlist ausgewählt, weil ich das Gefühl hatte, dass er, abgesehen von seiner Schimpftirade, kein besonders einprägsamer Titel ist. Aber Hören Sie es sich an. Es könnte Ihnen gefallen!)

„Papa's Got a Brand New Bag“ (aufgenommen 1975)

Eine weitere geniale Verjüngungskur von Fred Wesley für einen weiteren JB-Klassiker. Die Bläserlinien, der Rhythmus, das gesamte Arrangement sind einfach unglaublich. Es hätte vom Thad Jones/Mel Lewis Orchestra gespielt werden können. Wesley kommt hier als Arrangeur voll zur Geltung. Was Brown betrifft, so war die ursprüngliche Handlung von „Papa's Got a Brand New Bag“ aus dem Jahr 1965 die eines Hipsters. Er war cool, sauber und wusste alles, was in dem Block passierte. Vielleicht ein bisschen hektisch? Diese brillante Überarbeitung hat Papa nun dazu gebracht: „Giving up the street … take a nine to five!“ Genius. Aber Browns freche Bösartigkeit kommt zum Vorschein, als er seinem Rock, Maceo Parker, sagt: „Maceo! Du spielst nicht mehr so ​​wie früher!“ Im Ernst, James???🤦🏽‍♂️

„Kansas City“ (aufgenommen 1975)

Die James Brown Show spielte am 4. Juli 1975 zum zweiten Mal in Folge im Madison Square Garden. Charles Bobbit, der langjährige Manager von JB, flehte Brown an, nicht die Arena, sondern stattdessen das Felt Forum (das kleinere Theater im MSG) zu mieten. Er wusste, dass Brown einen enormen finanziellen Verlust erleiden würde, wenn er versuchen würde, die Hauptarena zu füllen. Im Jahr zuvor hatten sie den Garten kaum gefüllt und Brown war fest entschlossen, zu beweisen, dass er es noch einmal schaffen konnte. Weniger als die Hälfte des Hauses war verkauft, und Brown rastete aus und gab allen die Schuld, von Bobbit über WBLS und deren DJ Frankie Crocker bis hin zu Polydor Records und sogar dem New Yorker Stadtrat. Er würde nie in Betracht ziehen, dass es einfach nicht mehr das Jahr 1968 war. Nach einer weiteren heftigen Schimpftirade hinter der Bühne prallte Fred Wesley gegen eine Wand (vielleicht im wahrsten Sinne des Wortes?) und verließ abrupt den Bereich und damit auch James Brown für immer. Es markierte offiziell das Ende von Browns letzter „Goldener Ära“. Nach Fred verließ Bobbit bald die Band, zusammen mit Maceo, Jabo, dem Schlagzeuger John Morgan, dem Bassisten Fred Thomas und dem Gitarristen Cheese Martin. James war wieder ganz am Anfang.

Doch etwa einen Monat vor diesem zum Scheitern verurteilten MSG-Auftritt nahm JB eine Session auf, die sich als ziemlich prophetisch herausstellte. Er forderte ehemalige Bandmitglieder auf, mit der aktuellen Band zu spielen, um ein neues Arrangement von „Kansas City“ aufzunehmen. In dieser Version wirkt Brown nachdenklicher als gewöhnlich. Vielleicht wusste er, dass die Katzen die Nase voll hatten, oder dies war ein letzter verzweifelter Versuch, die Band und sich selbst an sein Vermächtnis zu erinnern. Es ist einer meiner Lieblingstitel von JB. Fred hatte recht, sie hatten noch reichlich Benzin im Tank. Schade, dass es zu Ende ist. Ich bin mir sicher, dass der Funk dieser Band dem Disco-Hurrikan nicht nur standgehalten, sondern ihn vielleicht sogar überwunden hätte.

„This Feeling“ (aufgenommen 1975)

Als James-Brown-Snob aus der Zeit vor 1976 habe ich dem Album „Get Up Offa That Thing“ schon als Kind nie viel Beachtung geschenkt. Ja, ich wusste, dass der Titelsong ein gewisser Hit wurde, aber wenn James Brown Mitte der 70er Jahre eine Platte ohne Fred, Maceo und Jabo machte, wollte ich ihn meiner Meinung nach nicht hören. Zum dritten Mal in Browns Karriere begrüßte er erneut Maceos älteren Bruder Melvin als ersten Schlagzeuger. Selbst im Jahr 1976 gab es in der Band einen Old-School-Originalsound. Aber wäre es genug Funk?

An einem Samstagabend im Jahr 2014 oder 2015 streamte ich die Radiosendung meines Freundes DJ Soul Sister von WWOZ in New Orleans und ein James Brown-Track ertönte, den ich noch nie gehört hatte. Es war eine Überarbeitung von „I Got a Feeling“. Ich hörte Fred, ich hörte Maceo und ich wusste, dass es wahrscheinlich Melvin am Schlagzeug war. Ich stand wie erstarrt vor meinen Lautsprechern. Welcher James-Brown-Track aus der Mitte der 70er Jahre könnte mir möglicherweise entgangen sein? Es stellte sich heraus, dass es sich hierbei um einen vergrabenen Track von Get Up Offa That Thing namens „This Feeling“ handelte. Das habe ich bekommen, weil ich mir das Album als Kind nicht die ganze Zeit angehört habe! Das ist ein großer Brocken Funk! Es stellte sich heraus, dass dieser Track 1975 entstand, als Fred einige von Browns Hits der 60er Jahre neu interpretierte und arrangierte. „This Feeling“ hätte auf dem Album „Everybody's Doin' The Hustle & Dead“ auf dem Double Bump sein können (sollten?).

„Body Heat“ (aufgenommen 1976)

Ja, ich weiß, dass das 1976 aufgenommen wurde, aber „Body Heat“ hat mir schon immer gefallen. Brown hat seinen Sound leicht aktualisiert. Was diesen JB der alten Schule ausmacht, ist der allgegenwärtige, ausfallsichere Vamp mit Scratch-Gitarre und der obligatorischen „Bridge“, aber der Sound ist anders. Die Art und Weise, wie Brown seine Band in der Vergangenheit aufnahm, war der Art und Weise, wie Jazzmusiker Aufnahmen machten, nicht unähnlich. Was sie im Studio spielten, war genau das, was man auf der Platte hörte – mit allen Fehlern. Genauer gesagt benutzte keiner von Browns Schlagzeugern jemals mehr als eine 20-Zoll-Basstrommel. Für Funk- und Rock-Verhältnisse war das soooo jazzig. (Hören Sie sich den hohen Ton von Jabos Bassdrum bei JBs Soul Train-Auftritt im Januar 1973 an. Er klingt wie eine Bebop-Bassdrum.) Mitte der 70er Jahre waren die meisten Funk- und Rock-Schlagzeuger (und insbesondere Schlagzeuger auf Disco-Alben) verwendeten mindestens eine 22-Zoll-Bassdrum, und oft war diese mit Kissen oder etwas anderem gefüllt, um den Klang zu dämpfen, was im Club dazu führen würde, dass die Bassdrum wie eine überlebensstarke Frequenz klang das war zu spüren, nicht zu hören. Programmierte Trommeln der 80er-Jahre, die zum Sound von House, Hip-Hop, Pop und EDM wurden, ahmten den Klang des „Bums“ der Bassdrum nach. Das kommt dem klassischen JB-Sound am nächsten. Melvins Taschen- und Bassdrum sind hier herkulesstark. Wenn ich jetzt darüber nachdenke, war „Mutha's Nature“ von 1976 und 1977 vielleicht gar nicht so schlecht.😂 (Kannst du glauben, dass ich das sage, Ahmir??😳😳)

Anscheinend war Prince ein großer Fan aller Alben, die Brown während der Disco-Ära machte, wie Jam 1980′s, Take a Look at Those Cakes, Soul Syndrome, Nonstop!, People und (Gott bewahre) The Original Disco Man. Die einzige Platte, die Brown in dieser Zeit gemacht hat und die mir gefiel, war Hot On the One, die Ende 1979 in Japan live aufgenommen wurde. Sie zeigte, dass Brown immer noch ein überlegener Live-Performer mit der engsten Band der Branche war. Mein Hut ziehe ich vor Prince, weil er in Browns Musik dieser Zeit, die meiner Meinung nach durch die Disco verändert wurde, immer noch den Funk wiederfinden konnte. Da er wusste, was für eine Legende Prince wurde, war er auf der Spur.

In den 1980er Jahren konnte man jeden aus James Browns glücklichen Tagen für eine Zeit in der Band sehen, wie Bobby Byrd, Maceo Parker, Fred Wesley, Pee Wee Ellis, Fred Thomas, Sweet Charles Sherrell und viele mehr, die alle wieder der James Brown-Band beitraten verschiedene Stationen. Obwohl es eher nostalgisch als zeitgenössisch wirkte, zeigte es, dass James Browns Welt eines der wichtigsten Universen in unserem musikalischen Sonnensystem war.

Genießen Sie bitte diese Marmeladen vom Paten.