Die 50 größten Momente in der Geschichte der E-Gitarre

May 20, 2023

Vor mehr als 130 Jahren erhielt die Gitarre ihren ersten Stromstoß – und seitdem brummt sie vor sich hin. Hier sind 50 Meilensteine, die es wert sind, gefeiert zu werden

Eine Akustikgitarre ist eine wunderbare Sache. Es ist ausdrucksstark, macht ein schönes Geräusch und ist tragbar. Sie können es überall hin mitnehmen und es funktioniert einwandfrei, von einer U-Bahn-Station in New York City bis zum Gipfel des Whiskey Dick Mountain in Washington. Der einzige Nachteil ist, dass es etwas leise ist. Eins zu eins, ein Klavier, eine Trompete oder eine Tuba werden ihm in den sanften Hintern treten.

Bereits 1890 wussten Gitarristen, dass sie eine Verstärkung brauchten, um gehört zu werden. Und sie hatten Recht. Sobald das Instrument seinen Weg in die Steckdose fand, wurde die Gitarre zu einer unaufhaltsamen Kraft, die die Musik von Elvis Presley, den Beatles, den Rolling Stones und ... Cannibal Corpse antreibt!

Auf den nächsten 12 Seiten verfolgt Guitar World die Entwicklung der E-Gitarre – vom schrumpfenden Violett zum Partyleben – in 50 erstaunlichen Momenten. Also schnall dich an und halte deine Strat fest. Es wird eine wilde Fahrt.

Was hat das erste Kraftwerk mit der E-Gitarre zu tun? Nun, ohne Strom kann man keine E-Gitarre haben, du großer Dummkopf! Im Jahr 1882 half Thomas Edison bei der Gründung der Edison Illuminating Company of New York, die elektrisches Licht in Teile Manhattans brachte, doch der Fortschritt war erschreckend langsam.

Die meisten Amerikaner beleuchteten ihre Häuser noch 50 Jahre lang mit Gaslicht und Kerzen. Erst 1925 verfügte die Hälfte aller Haushalte in den USA über Strom, und erst 1960 hatten praktisch alle Wohnungen Strom.

Im September 1890 erhielt der US-Marineoffizier George Breed ein Patent für den Entwurf einer elektrifizierten Gitarre. Sein Entwurf basierte auf einer vibrierenden Saite in einem elektromagnetischen Feld, aber seine „Gitarre“ war klein und extrem schwer und erzeugte nur außergewöhnlich bizarre, anhaltende Töne, die an eine läufige Katze erinnerten.

Breed ist als Musikinstrumentenbauer mittlerweile fast völlig unbekannt und sein Instrument schwebt im Mülleimer der Dunkelheit, aber, hey, irgendwo muss man ja anfangen …

Seien wir ehrlich, eine E-Gitarre ohne Verstärker ist scheiße, und hier kommt Lee de Forest ins Spiel. De Forests Vater war Pfarrer der Congregational Church, der hoffte, dass sein Sohn auch Pastor werden würde; Stattdessen erfand der junge Mann das erste elektronische Gerät zur Steuerung des Stromflusses – die Drei-Element-Trioden-Vakuumröhre „Audion“.

Dies leitete das elektronische Zeitalter ein und ermöglichte die Entwicklung des elektronischen Verstärkers, der Jahre später von Bands wie Slayer verwendet wurde. Soviel dazu, der Sohn eines Pastors zu sein. De Forest prahlte auch damit, dass er vier Vermögen gemacht und dann verloren habe. Klingt nach unserem Typ!

Wenn Sie denken, dass eine E-Gitarre ohne Verstärker scheiße ist, wie wäre es dann mit einem Verstärker ohne Lautsprecher? Ja, die E-Gitarre brauchte das auch. Glücklicherweise steckten Chester W. Rice und Edward W. Kellogg, ein paar clevere Kerle, die in den Laboratorien von General Electric arbeiteten, ihre Köpfe zusammen und erfanden den modernen Lautsprecher, der den Treibermechanismus mit beweglicher Spule mit einer Papierkegelmembran kombinierte.

Sie erfanden das Konzept 1921, aber es dauerte bis 1925, bis die Akustik so weit verbessert war, dass sie mit bestehenden Hornlautsprechern konkurrieren konnte. Der Vorteil des Lautsprechers bestand darin, dass er einen flacheren Frequenzgang als Hornlautsprecher hatte und ausreichende Bässe wiedergeben konnte, ohne die enorme Länge des Schallwegs, der bei Hörnern erforderlich ist.

Die Stromberg-Voisinet Electro war allen Berichten zufolge ein wesentlicher Fortschritt gegenüber George Breeds anfänglichem groben Versuch, eine E-Gitarre zu bauen. Es nutzte einen elektromagnetischen Tonabnehmer, der unter der Decke einer herkömmlichen Hohlkörpergitarre montiert war, und war in der Lage, Vibrationen von der Holzdecke des Instruments in ein elektrisches Signal umzuwandeln, das verstärkt werden konnte. So weit, so gut – aber wie klang der SV Electro?

Das ist schwer zu sagen, da keine überlebenden Exemplare bekannt sind. Im Jahr 1928 wurde nur eine kleine Anzahl dieser Gitarren hergestellt, und Mitte 1929 waren sie vollständig vom Markt verschwunden.

Während einige die Weltwirtschaftskrise für das Scheitern des Electro verantwortlich machen, spekulieren Historiker seit langem, dass so wenige Spieler sie kauften, weil sie schrecklich klangen, und dass diejenigen, die es taten, sie schließlich in den Müll warfen.

Jetzt kochen wir mit Feuer! Die Ro-Pat-In Electro „Frying Pan“, die als erste erfolgreiche kommerziell hergestellte elektrische Solid-Body-Gitarre gefeiert wurde, war zwar nicht viel anzusehen, aber sie klang gut und man konnte ihr eine ansehnliche Lautstärke entlocken, ohne dass es zu Rückkopplungen kam .

Die vom Gitarristen George Beauchamp erfundene „Bratpfanne“ (so genannt, weil ihr runder Körper und langer Hals sie einer Bratpfanne ähneln ließen) verfügte über einen Aluminiumkörper und einen Tonabnehmer, der ein Paar hufeisenförmiger Magnete enthielt, die sich über die Saiten wölbten.

Während die A-25 von der Flut an E-Gitarren, die ihr folgte, in den Schatten gestellt wurde, werden echte Sechssaiter-Liebhaber die A-25 immer als den unbestreitbaren Urknall betrachten.

Wenn man „Master of Puppets“ in einem Wald spielt und niemand da ist, der es hören kann, macht es dann ein Geräusch? Wahrscheinlich. Aber seien wir ehrlich: Gitarrespielen macht normalerweise mehr Spaß, wenn es ein Publikum gibt, das es zu schätzen weiß.

Der allererste Verkauf einer A-25-Bratpfanne ging an den Gitarristen Gage Brewer aus Wichita, Kansas, der den Kauf am 21. September 1932 tätigte. Ihm gebührt auch die Ehre, damit den ersten bekannten öffentlichen Auftritt gegeben zu haben. Aus einer Pressemitteilung zur Werbung für das Konzert geht hervor, dass es in der Halloween-Nacht 1932 im Shadowland Pavilion, einem Nachtclub in Wichita, der auch Brewer gehörte, stattfand.

„Wir stellen derzeit das neueste und sensationellste Instrument der Welt vor“, heißt es in der Veröffentlichung. „Eine neue Erfindung, die die Musikwelt aufrüttelt und eine Kombination aus natürlicher persönlicher Technik und elektrischer Perfektion ermöglicht.“ In der Tat.

Wenn die Bratpfanne die Tür für die E-Gitarre öffnete, dann sprengte die ES-150 der Gibson Guitar Corporation die ganze Scheune in die Luft. Das ES stand für Electric Spanish und die 150 gab an, wie viel die Gitarre kostete (150 US-Dollar mit Verstärker). Gibson hatte bereits 1933 versucht, E-Gitarren auf den Markt zu bringen, doch ihre ersten Versuche waren eher primitiv.

Inspiriert von George Beauchamps revolutionärem Tonabnehmer für die Bratpfanne beauftragte Gibson Walter Fuller mit der Entwicklung eines eigenen elektromagnetischen Tonabnehmers, der den Tonabnehmer von Beauchamp übertraf. Innerhalb weniger Wochen gelang es Fuller, den heute allgemein als „Blade Pickup“ bekannten Tonabnehmer zu entwickeln, der auch heute noch von Jazzmusikern begehrt wird.

Gitarristen haben sich für die Hohlkörpergitarre entschieden, und zu den ersten Spielern gehörten Legenden wie Eddie Durham, Floyd Smith und der berühmteste von ihnen, Charlie Christian, der der ES-150 einen „nahezu mythischen Status“ verlieh.

Viele von Ihnen – okay, Sie alle – kennen den Namen George Barnes wahrscheinlich nicht, aber im 20. Jahrhundert war er eine ziemlich große Sache. Den Akten der Musician Union zufolge spielte Barnes an mehr Aufnahmeterminen für mehr Leute als jeder andere Gitarrist in der Geschichte und war allein in den 1930er Jahren auf rund 100 Blues-Platten zu hören.

Seine Session-Karriere florierte in den nächsten zwei Jahrzehnten weiter und erschien auf weiteren ein paar hundert Alben, darunter auf denen von Frank Sinatra, der Jazzlegende Louis Armstrong und den Country-Künstlern Homer & Jethro. Er war sogar der erste Mensch, der auf einer Aufnahme von Bob Dylan (dem unveröffentlichten Titel „Mixed-Up Confusion“ von 1962) eine E-Gitarre spielte.

Aber wenn er heutzutage erwähnt wird, dann meist, weil er wohl der erste war, der mit einer E-Gitarre aufgenommen hat, und zwar bei Big Bill Broonzys lebhaftem Klassiker „It's a Low-Down Dirty Shame“ aus dem Jahr 1938. Barnes bringt es mit einer Sammlung umwerfender, jazziger Licks auf Touren, die sowohl elektrisierend als auch elektrisierend sind. Während die meisten Spieler in den 1940er Jahren von Gibsons bahnbrechender ES-150 (siehe Nummer 8) begeistert waren, war der Radiomoderator und Superstar-Gitarrist Les Paul weniger als beeindruckt. Bei höheren Lautstärkepegeln neigte der 150 zu Rückkopplungen, was ihn zutiefst nervte, und so begann Paul irgendwann im Jahr 1939 mit einer Idee herumzuspielen, die mit der Ro-Pat-In Electro A-25 „Frying Pan“ von 1932 begann – einer Solidbody-Gitarre.

Zurück zum Anfang: Paul begann mit einer 4 x 4 Zoll großen Platte aus Kiefernholz, etwa der Länge eines herkömmlichen Archtop-Gitarrenkorpus, befestigte einen Steg und zwei mit Holz überzogene Tonabnehmer, die er selbst angefertigt und dann von Hand gefertigt hatte Vibrato-Saitenhalter.

Anschließend befestigte er „Flügel“ an beiden Seiten des Blocks, damit er eher wie eine herkömmliche Gitarre aussieht und sich auch so anfühlt. Zu seiner Freude klang es ziemlich gut, als er es endlich einsteckte – und es gab keine Rückkopplung.

Les war begeistert von seiner Erfindung, die er „The Log“ nannte, aber als er die Gitarre 1941 zu Gibson brachte, lachten sie über seinen „Besenstiel mit Tonabnehmer“. Das Unternehmen ahnte noch nicht, dass Les ein Jahrzehnt später das letzte Lachen bekommen würde, als eine verfeinerte Version seines charakteristischen „Besenstiels“ zu einer der am meisten verehrten Gitarren aller Zeiten werden würde.

Im Jahr 1938 eröffnete ein Elektroniker namens Leo Fender eine bescheidene Reparaturwerkstatt, in der er kaputte Radios, Phonographen, Instrumentenverstärker und so ziemlich alles andere mit Kabeln reparierte. Nach einigen Jahren wurde Leo jedoch unruhig und kam zu der Überzeugung, dass die Herstellung rentabler sein würde als die Reparatur. Als Experiment baute er 1946 eine Lap-Steel-Gitarre für den Country-Virtuosen Noel Boggs. Boggs war davon begeistert, was Fender dazu inspirierte, in den E-Gitarrenbau einzusteigen.

Ironischerweise spielte Fender selbst nie ein Instrument, aber er liebte Country-Musik (und Zeit mit Musikern), und in den späten Vierzigern begann er, sich auf konventionellere Gitarrenkonstruktionen zu konzentrieren. Im März 1950 baute er seine erste Solid-Body-Gitarre Esquire, die kurz darauf folgte danach im Herbst 1950 vom Broadcaster. Ein Markenkonflikt mit Gretsch führte dazu, dass der Broadcaster 1951 in Telecaster umbenannt wurde, und der Rest ist, wie man sagt, Geschichte.

Das vielleicht Radikalste an Leos Tele war die Art und Weise, wie der Hals mit vier herkömmlichen Schrauben am Korpus befestigt war. Damit wurde die jahrhundertelange Tradition des Gitarrenbaus im Wesentlichen durcheinander gebracht, die vorsah, dass die einzige Möglichkeit, einen Gitarrenhals am Korpus zu befestigen, eine Schwalbenschwanzverbindung war. Viele Gitarrenbauer der damaligen Zeit verspotteten die Tele aus diesem Grund, aber es war eine brillante Innovation, die die Gitarre erschwinglicher und einfacher zu reparieren machte.

Es ist ein weit verbreitetes Missverständnis, dass Les Paul im Alleingang die E-Gitarre oder zumindest die Solid-Body-E-Gitarre erfunden hat. Obwohl er wesentlich zur Entwicklung des Instruments beigetragen hat, ist er mit Sicherheit nicht der Erfinder der Solid-Body-E-Gitarre und schon gar nicht der E-Gitarre selbst. Es gibt jedoch mehrere wichtige Innovationen im Gitarrenbereich, die ihm zugeschrieben werden können.

Les bastelte gern und baute deshalb in seiner Garage in Los Angeles ein eigenes Aufnahmestudio. Dort begann er, einige der frühesten bekannten Mehrspuraufnahmen zu machen, wobei er kein Band, sondern eine Drehmaschine zum Schneiden von Scheiben verwendete, die er mit dem Schwungrad eines Cadillacs gebaut und mit mehreren Schneidköpfen ausgestattet hatte.

Das Ergebnis dieses großartigen Experiments war der außergewöhnliche Hit „Lover“ von 1948, eine Tour de Force mit atemberaubenden acht E-Gitarren-Parts, die alle von Paul gespielt wurden. Die Aufnahme diente später als Inspiration für Jimi Hendrix, Brian May und Jeff Beck, die gegenüber Guitar World sagten: „Im Vergleich zu den meisten zeitgenössischen Musikstücken klingt sie auch heute noch frisch.“

Muddy Waters hat mit seinen beiden bahnbrechenden Aufnahmen „I Can't Be Satisfied“ und „I Feel Like Going Home“ den Grundstein für den modernen elektrischen Blues und Rock gelegt und dabei seinen Bottleneck-Slide auf einer verstärkten Gitarre, unterstützt von einer treibenden Rhythmusgruppe, gezeigt.

Dieser revolutionäre neue elektrische Sound inspirierte und brachte schließlich Bands wie die Yardbirds, Led Zeppelin und die Rolling Stones hervor (die ihren Namen direkt von Muddys Klassiker Rollin' Stone erhielten).

„Rocket 88“ war kein besonders origineller Song, aber es gab ein Element, das den Track von den anderen abhob. Angetrieben wurde es von etwas, das nur wenige Menschen jemals gehört hatten – einem rauen, verzerrten Gitarrensound.

Produzent Sam Phillips erinnerte sich: „Der Bassverstärker fiel aus dem Auto. Und als wir ihn ins Studio brachten, war der Tieftöner geplatzt; die Membran war geplatzt. Also steckte ich eine Zeitung und etwas Sackpapier hinein, und da waren wir.“ Habe den Ton verstanden.

Phillips liebte den unkonventionellen Ton und offenbar auch Millionen Musikfans. Rocket 88 stieg an die Spitze der Charts und wurde 1951 zur drittgrößten Rhythm-and-Blues-Single in Jukebox-Stücken.

Vor der Erfindung des Fender Precision mussten Bassisten einen körperlich unhandlichen Kontrabass mit sich herumschleppen. Abgesehen davon, dass er Klarinettisten zum Lachen brachte, hatte der Kontrabass noch andere Nachteile. In großen Bandbesetzungen war es schwer zu hören und das Griffbrett ohne Bund machte es für Bassisten schwierig, die Stimmung beizubehalten.

Der Precision Bass oder „P-Bass“, der 1950 von Leo Fender entworfen wurde, wurde speziell entwickelt, um die meisten dieser Probleme zu lösen. Und weil er seine Arbeit so gut gemacht hat, gehört der ehrwürdige Fender-Viersaiter immer noch zu den meistverkauften und am häufigsten nachgeahmten E-Bässen in der Popmusik.

Les Paul – da ist der Name schon wieder. Aber hier ist das Seltsame: Er hatte sehr wenig mit dem Instrument zu tun, das seinen Namen trägt. Die Gitarre, die wir heute alle kennen und lieben, wurde tatsächlich von Gibson-Fabrikleiter John Huis und seinem Team mit einigen geringfügigen Anpassungen von Paul entwickelt.

Ted McCarty, Präsident von Gibson Guitar, wandte sich im Grunde genommen an den Gitarristen, um das Recht zu erhalten, seinen Namen auf die Kopfplatte zu drucken, mit der Idee, dass seine Sichtbarkeit als Plattenstar den Umsatz steigern würde. Betrachten Sie es als einen der ersten Werbeverträge für Gitarren.

Les war fasziniert und 1951 überreichte Gibson ihm ein fast fertiges Instrument zur Genehmigung. McCarty erklärte später, dass sich die Designgespräche mit Les auf den Saitenhalter und die Holzauswahl beschränkten.

Das Les Paul-Modell von 1952 verfügte schließlich über einen 1 ¾ Zoll dicken Mahagoni-Korpus mit einer Ahornkappe, einen Mahagoni-Hals mit Palisander-Griffbrett, zwei P-90-Single-Coil-Tonabnehmern und einen einteiligen Steg/Saitenhalter im Trapez-Stil mit montierten Saiten unter einer Stahlanschlagstange.

Obwohl Paul mit dem fertigen Goldtop-Instrument nicht ganz zufrieden war, präsentierte er es im Juni 1952 im Paramount Theater in New York brav zum ersten Mal der Öffentlichkeit auf der Bühne.

Nachdem Fender 1951 die Telecaster auf den Markt brachte, reagierte Gibson mit der hochwertigen Les Paul. Um sich nicht übertrumpfen zu lassen, ging Leo Fender zurück ans Zeichenbrett, um ein eigenes, schickes Instrument zu erschaffen.

Die Stratocaster war die erste Fender-Gitarre mit drei Tonabnehmern und einem Federspannungs-Vibrato-System sowie die erste Fender mit einem konturierten Korpus. Die sexy konturierte Körperform unterschied sich vom flachen, eckigen Design der Telecaster, und die doppelten Cutaways der Strat ermöglichten dem Spieler einen leichteren Zugang zu höheren Positionen am Hals.

Die Gitarre war sofort ein Hit und wurde oft als „die meistverkaufte Gitarre aller Zeiten“ bezeichnet. Auch wenn das wahr sein mag oder auch nicht, genügt es zu sagen, dass es von Spielern wie Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck, David Gilmour, den Beatles und Yngwie Malmsteen … und wahrscheinlich auch von Ihnen ein großes „Daumen hoch“ erhalten hat.

Seit den 1930er Jahren gab es bei Gitarren-Tonabnehmern ein inhärentes Problem, nämlich das Schimpfwort, das mit einem „h“ beginnt und mit einem „m“ endet. Nein, nicht dieses Wort. Meine Güte... holen Sie sich den Kopf aus der Gosse! Wir sprechen von diesem lästigen Summen, das als 60-Zyklen-Brumm bekannt ist.

Da das Problem so allgegenwärtig und lästig war, kam es Mitte der 1950er-Jahre zu einer Art Weltraumwettlauf zwischen Gibson und Gretsch, wer das Problem zuerst lösen konnte. Die Geschichte zeigt, dass Gibson den Kampf gewann, als Seth Lover seinen unsterblichen PAF-Humbucker-Tonabnehmer (zum Patent angemeldet) entwickelte. Doch Gretsch ging nicht kampflos unter.

Etwa zur gleichen Zeit entwickelte Ray Butts einen ähnlichen Tonabnehmer für Gretsch, den Filter'Tron Humbucker. Obwohl Gibsons Patent fast zwei Jahre vor Gretschs Patent angemeldet wurde, wurde Gibsons letztendliches Patent vier Wochen nach Gretschs Patent erteilt. Dennoch waren das Gibson Les Paul Model und die Les Paul Custom die ersten Gitarren, die Humbucker in großer Stückzahl verwendeten, daher wird die Erfindung tendenziell als ihre Innovation angesehen, zu der Ray angeblich sagte: „Ist das nicht ein Kick-in?“ die Ärsche!"

Mit seinem Meisterwerk Johnny B. Goode aus dem Jahr 1958 schuf Chuck Berry in nur wenigen flotten Versen den ultimativen Rock'n'Roll-Folk-Helden. Wie wir alle wissen, hat Goode nicht auf ein Klavier geschlagen, nicht in ein Mikrofon gesungen oder ein Saxofon geblasen.

Mit seiner Wahl der E-Gitarre – etwas Schlichtem und Aktuellem – prägte die fiktive Figur Goode das Bild des archetypischen Rockers und trug viel dazu bei, die Geschichte des Instruments zu prägen, wie es jede reale Figur jemals getan hat.

Das Eröffnungsriff des Songs ist ein Fanfarenruf – vielleicht das großartigste Intro in der Geschichte des Rock'n'Roll. Es wurde von Berry auf einer elektrischen Gibson ES-350T gespielt und es klang tatsächlich „wie das Läuten einer Glocke“. Für Teenagerohren signalisierte Berrys Gitarre den Beginn einer aufregenden neuen Ära – einer Ära, in der sechs Saiten und ein Verstärker als primärer Soundtrack zum Einsatz kamen.

Die Amerikaner waren nicht die einzigen, die E-Gitarren und Verstärker bauten. Wie wir sehen werden, haben die Briten ihren Teil zu unserem Lieblingsinstrument beigetragen, angefangen mit dem viel beachteten Vox AC15-Verstärker. In den späten 1950er-Jahren galten Verzerrungen als Problem, und die damaligen Verstärkerhersteller beseitigten sie üblicherweise mit Hilfe einer „negativen Rückkopplungsschaltung“.

Der britische Ingenieur und Gitarren-Nerd Dick Denney entschied, dass ihm der Effekt, den die Schaltung auf seinen Gitarrensound hatte, nicht gefiel und konstruierte seinen neuen Class-A-Combo ohne die „partyverderbende“ Elektronik.

Dadurch konnten die integrierten EL-84-Röhren auf Hochtouren gebracht werden, ohne die wünschenswerten Harmonischen gerader Ordnung zu entfernen, was zu einer satten, natürlich klingenden Verzerrung führte. Das Ergebnis? Ein Verstärker, der den Weg für die Zukunft ebnete.

Gerade als Leo Fender mit seiner schlanken und unkonventionell aussehenden Stratocaster auf Gibsons Les Paul reagiert hatte, beschloss Gibson, mit nicht weniger als drei wild aussehenden Gitarren zurückzuschlagen, die die Strat in der Steinzeit belassen sollten – der Flying V, der Explorer und die Moderne.

Leider waren sie etwas zu voraus, und der V und der Explorer waren kommerzielle Misserfolge. Gibson stellte die V und die Explorer schnell auf Eis, und die Moderne schaffte es nicht einmal in Produktion. Aber das war noch nicht das Ende ihrer Geschichte.

Zu Beginn der 1980er Jahre entwickelten sich die V und die Explorer von schwarzen Schafen zu ikonischen Heavy-Metal-Gitarrenträgern

Gibson wusste nicht, dass mehrere wichtige Gitarren-Influencer, darunter Albert King, Lonnie Mack und Dave Davies von den Kinks, ihre Vs liebten und oft mit ihren exotischen Instrumenten fotografiert wurden.

Gibson spürte einen Trend und begann 1968 erneut mit der Produktion von Flying V, diesmal mit besseren Verkaufszahlen. Es dauerte jedoch fast ein weiteres Jahrzehnt, bis sie mit der Neuauflage des Explorers begannen, nachdem Hamer Guitars mit dem Verkauf ähnlicher Designs Erfolg hatte.

Zu Beginn der 1980er Jahre entwickelten sich die V und die Explorer von schwarzen Schafen zu ikonischen Heavy-Metal-Gitarren und beeinflussten unzählige „spitze“ Gitarren, die von Unternehmen wie Dean, ESP und Jackson entworfen wurden.

Welcher E-Gitarrist liebt Pedale nicht? Ich habe einen Freund, der sie als eine Art Währung betrachtet, wie zum Beispiel: „Meine Güte, ich hätte von dem Geld, das ich diese Woche für Lebensmittel ausgegeben habe, zweieinhalb Pedale kaufen können.“ Oder: „Mit dem Geld, das ich für diese Jeans ausgegeben habe, hätte ich mir einen Electro-Harmonix Big Muff kaufen können.“

Wenn Sie wie mein Kumpel ein Pedal-Enthusiast sind, können Sie sich bei Gibsons Maestro FZ-1 dafür bedanken, dass er 1962 den Stein ins Rollen gebracht hat. Entworfen von Toningenieur Glenn Snoddy (guter Name!) und WSM-TV-Ingenieur Revis V. Hobbs (ein ebenbürtiger). besserer Name!), war die Maestro die erste kommerziell erhältliche Fuzz-Box, die breite Akzeptanz fand.

Wie alles Neue hatte auch die FZ-1 einen langsamen Start. Was es – und Gitarrenpedale im Allgemeinen – auf Hochtouren brachte, war, als Rolling-Stones-Gitarrist Keith Richards eines benutzte, um das knorrige Riff im Megahit „Satisfaction“ der Band von 1965 zu spielen. Sofort musste jeder Garage-Rock- und Psychedelic-Act eines haben, was dazu führte, dass Gibson jedes auf Lager befindliche Gerät verkaufte.

Als sie Gold in „den Hügeln“ spürten, schossen in einer italienischen Kochshow plötzlich Fuzz-Pedale wie Pilze aus dem Boden, darunter das Mosrite Fussrite, das Sola Sound Tone Bender und das klassische Dallas-Arbiter Fuzz Face, das von einem anderen Maestro verwendet wurde – Jimi Hendrix. Danach wird alles ein wenig unscharf.

In den Jahren, bevor Ernie Ball 1962 seine revolutionären Slinky-Saiten vorstellte, waren Gitarristen, die Saiten biegen wollten, etwas durcheinander. Sie müssten einen Satz normaler E-Gitarrensaiten mit umsponnener Terz und einem hohen E von 0,013 kaufen und eine Wahl treffen.

Sie könnten entweder einen Halbton tiefer stimmen, um die Saiten biegsamer zu machen, wie Hendrix oder Stevie Ray Vaughan. Oder sie könnten einen neuen Satz kaufen, die tiefe E-Saite wegwerfen, den Rest der Saiten nach unten verlegen und das hohe E durch eine superleichte Banjo-Saite wie Jimmy Page und Johnny Winter ersetzen.

Dem Glück sei Dank, dass ein Musikladenbesitzer namens Ernie Ball den Verstand hatte, den Wahnsinn zu stoppen. Er bemerkte, dass junge Spieler Schwierigkeiten hatten, die umwickelten dritten Saiten herunterzudrücken, die „wie ein riesiges Kabel“ waren, und meldete das Problem Fender und bat einen der Vertriebsmitarbeiter des Unternehmens, mit Leo Fender persönlich zu sprechen. Der Repräsentant kam mit der Nachricht zurück, dass Leo kein Interesse an der Herstellung leichterer Saiten habe, da die leichteren Saiten ihn dazu zwingen würden, seine Gitarren neu zu konstruieren, um die unterschiedliche Spannung auszugleichen.

Ball erkannte ein solides „Fick dich“, als er eines hörte, also kontaktierte er einen unabhängigen Saitenhersteller und ließ maßgeschneiderte Saitenstärken mit einer leichten 24-Spur-Tersaite herstellen, was schließlich 1962 zur Entwicklung der Slinky-Saiten führte. Ya gotta hand Sag es Ernie – der Typ hatte definitiv Mumm.

Es gibt Millionen Gründe, warum die Beatles wichtig waren, aber wenn Sie mich fragen, bestand ihr größter Beitrag zur Musik darin, die nahezu perfekte Formel für die moderne Rockband zu schaffen. Tatsächlich wird gemunkelt, dass John Lennon, als er „All You Need Is Love“ sang, eigentlich sagen wollte: „Alles, was Sie brauchen, sind zwei E-Gitarren, ein Bass und ein Schlagzeuger.“ Es war einfach nicht so eingängig.

Anscheinend verstanden die Kinder trotzdem, was er meinte. Im Jahr 1964 versammelten sich schätzungsweise 73 Millionen Menschen vor ihrem Fernseher, um John, Paul, George und Ringo zuzuschauen, wie sie Ed Sullivan vor einem Theater voller Teenager zum Affen machen.

Am nächsten Tag rannten Tausende dieser kleinen Drecksäcke – darunter Gene Simmons, Joe Perry, Bruce Springsteen, Tom Petty und Nancy Wilson – raus, kauften Gitarren und gründeten Bands. Die Nachricht wurde empfangen.

Pete Townshend war einer der ersten Rockmusiker, der erkannte, dass die Gitarre nicht nur für Soli oder das Schreiben von Songs verwendet werden konnte – sie konnte auch als ultimative Bühnenstütze dienen.

Bei einem typischen Auftritt der Who posierte Townshend, sprang, wirbelte herum und warf seine Gitarre auf dramatische Weise in die Luft, während er einige der aufregendsten Musikstücke der 1960er und 1970er Jahre spielte. Und wenn ihm nichts Besseres einfiel, zerschmetterte er es einfach, was auch in Ordnung war.

Wir haben gerade festgestellt, dass Townshend ein Gespür für das Dramatische hatte. Ist es also eine Überraschung, dass er einer der Hauptinitiatoren hinter der Entwicklung des monolithischen, megalauten 100-Watt-Marshall-Stacks war? Alles begann, als der in London geborene Big-Band-Schlagzeuger Jim Marshall 1960 in London einen Schlagzeugladen eröffnete. Auf Drängen lokaler Rockmusiker, die seinen Laden häufig besuchten, darunter Townshend, expandierte er bald in den Verkauf anderer Musikinstrumente, darunter auch elektrischer Gitarren und Verstärker.

Pete war einer von denen, die zu mir kamen und sagten: „In den Musikgeschäften von West-London behandeln sie uns wie Idioten, weil wir Rock 'n' Roll spielen.“ Warum verkaufen Sie also nicht auch Verstärker und Gitarren in Ihrem Shop?

„Pete war einer von denen, die zu mir kamen und sagten: ‚In den Musikgeschäften von West-London behandeln sie uns wie Idioten, weil wir Rock’n’Roll spielen. Warum verkaufen Sie also nicht Verstärker und Gitarren in Ihrem Geschäft?‘ " erinnerte sich Musikladenbesitzer Jim Marshall. „Ich sagte: ‚Nun, ich weiß viel über Schlagzeug, aber nicht über Gitarren und Verstärker. Aber ich werde es versuchen.‘ Das habe ich getan und es war von Anfang an erfolgreich.“

Dann ging Marshall noch einen Schritt weiter und begann mit der Entwicklung und Produktion seiner eigenen maßgeschneiderten Verstärkerlinie, beginnend mit dem klassischen 30-Watt-Marshall JTM45 von 1962. Doch das reichte Townshend nicht ganz, er wünschte sich noch mehr Volumen. Im Jahr 1965 verlangte der Who-Gitarrist von Jim, ihm das ultimative Rockmonster zu bauen, einen 100-Watt-Giganten, der es ihm, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Eddie Van Halen und anderen letztendlich ermöglichte, Feedback, Weltuntergangsverzerrung und genug Lautstärke zu erzeugen, um die weitesten Reichweiten zu erreichen Ecken eines Clubs oder einer Arena.

Jahre bevor Edward Van Halen seinen Frankenstein baute oder Steve Vai seinen Ibanez JEM entwarf, fertigte Brian May von Queen in Handarbeit sein einzigartiges Red Special, das in Songs wie Bohemian Rhapsody und Stone Cold Crazy zu hören war. Mays DIY-Instrument hat eine Botschaft an Gitarristen auf der ganzen Welt gesendet: Wenn Sie nicht kaufen können, was Sie wollen, ziehen Sie Ihre Satin-Schlaghosen hoch und machen Sie selbst eine.

Die Gitarre besteht aus dem Holz eines „hundert Jahre alten“ Kaminsimses und verfügt über drei Single-Coil-Tonabnehmer und einen speziell angefertigten Aluminiumsteg. Das Tremolosystem wurde aus einer alten V-förmigen Messerschneide aus gehärtetem Stahl und zwei Motorradfedern konstruiert, um der Saitenspannung von 79 Pfund entgegenzuwirken.

„Mein Vater und ich haben das Instrument von Grund auf neu entworfen, mit der Absicht, dass es über eine Leistungsfähigkeit verfügt, die über alles hinausgeht, was es auf dem Markt gibt: besser stimmbar, mit einem größeren Tonhöhen- und Klangspektrum, mit einem besseren Tremolo und mit der Fähigkeit zur Rückkopplung.“ "gut durch die Luft", sagte May. Mission erfüllt.

Der langjährige Guitar World-Mitarbeiter Alan di Perna lobte Blues Breakers einst als „eine der wichtigsten Gitarrenaufnahmen aller Zeiten – ein bisschen wie Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band für Gitarristen.“

Der Grund? Da sind viele. Clapton spielte nicht nur den Blues mit übermütiger Rock'n'Roll-Aggression, sondern war auch der erste, der mit der magischen Kombination einer Les Paul Standard aufnahm, die an einen von Jim Marshalls kürzlich erfundenen 30-Watt-Verstärkern JTM45 aus dem Jahr 1962 angeschlossen war. Seine Virtuosität in Kombination mit dem auf volle Lautstärke aufgedrehten Verstärker stellte die Welt des Gitarrenspiels auf den Kopf und inspirierte zukünftige Superstars wie Jimi Hendrix, Duane Allman und Stevie Ray Vaughan dazu, dasselbe zu tun.

„Ich habe versucht, den scharfen, dünnen Klang nachzuahmen, den [Bluesman] Freddie King aus seiner Gibson Les Paul herausholte, und am Ende hatte ich etwas ganz anderes, einen Klang, der viel fetter war als der von Freddie“, sagte Clapton. „Ich habe eine Note angeschlagen, sie gehalten und ihr mit den Fingern etwas Vibrato verpasst, bis sie angehalten hat, und dann hat sich die Verzerrung in Rückkopplung verwandelt. All diese Dinge und die Verzerrung haben „meinen Sound“ geschaffen.“

Und es war ein Geräusch wie Donner. Kein Wunder, dass die Leute Clapton kurz danach „Gott“ nannten.

Die Erfindung des Wah-Pedals ist eine ziemlich lange und verwirrende Geschichte, deshalb versuchen wir, Ihnen die kurze Version zu geben, die überhaupt nicht verwirrend sein sollte. Es beginnt, als ein junger Ingenieur namens Brad Plunkett von Thomas Organs damit beauftragt wurde, einen britischen Vox AC100-Gitarrenverstärker auseinanderzunehmen und einen Weg zu finden, ihn kostengünstiger herzustellen und gleichzeitig die Klangqualität beizubehalten.

Thomas hatte einen Vertrag über den Vertrieb von Vox in den USA abgeschlossen und sie wollten nebenbei ein paar Dollar sparen. Irgendwann gelang es Plunkett, einen neuen Schaltkreis zu entwickeln, der die Frequenz von Noten durch einfaches Drehen eines Potentiometers ändern konnte.

„Ich habe einen Freund gebeten, eine Gitarre an diesen Stapel von Drähten, Widerständen und Kondensatoren anzuschließen, den ich auf einer Bank hatte“, sagte Plunkett. „Er spielte ein paar Akkorde, während ich den Knopf am Potentiometer drehte, und es ertönte ‚Wah-Wah-Wah‘.“ Ich dachte: ‚Wow! Das ist wirklich großartig!‘“

Ursprünglich glaubte das Unternehmen, dass der Effekt großartig für Trompeten und andere Blasinstrumente wäre, doch als der Gitarrist und Vox-Mitarbeiter Del Casher auf Plunketts frühen Prototyp stieß, erkannte er das unglaubliche Potenzial der Gitarre und überzeugte das obere Management, sie an die sechs String-Nerds.

Fast unmittelbar nach der Veröffentlichung im Jahr 1966 kaufte der Chef-Sechssaiten-Nerd Frank Zappa eine und verbreitete die Nachricht an seine Gitarrenkollegen wie Eric Clapton und Jimi Hendrix. Wie Hendrix Reportern sagte: „Es hat einen sehr groovigen Sound.“ Und alle, die gehört haben, wie Clapton es in „Cream's White Room“ oder Hendrix in „Voodoo Chile (Slight Return)“ verwendet hat, stimmten zu … das Wah war tatsächlich groovig.

Ein Magazin? Nur für Gitarristen? Nun, das ist einfach lächerlich ...

Als Are You Experienced in die Plattenläden kam, war es wie eine Übertragung von Jupiter. Wenn Eric Clapton einen Weg gefunden hatte, die Gitarre größer klingen zu lassen (siehe Nummer 28), änderte Jimi so ziemlich alles andere.

Vom Proto-Metal von Foxy Lady über den wilden psychedelischen Blues von Red House bis hin zu den phantasmagorischen Studio-Tricks von Third Stone from the Sun – es fühlte sich an, als würde Jimi die E-Gitarre mit jedem Song oder vielleicht jeder Note neu erfinden und neu interpretieren.

Wie der britische Rockjournalist und Gitarrenliebhaber Charles Shaar Murray feststellte, hat das Album „die Vorstellungen davon, wie Gitarre klingen könnte oder wie Musik tatsächlich klingen könnte, völlig verändert“. Revolutionär.

Wenn eine Umfrage durchgeführt würde, um den einflussreichsten Auftritt einer E-Gitarre in der gesamten Geschichte des Instruments zu ermitteln, würde die Mehrheit der Stimmen höchstwahrscheinlich an Jimi Hendrix‘ erstaunlichen Auftritt von „The Star-Spangled Banner“ in Woodstock gehen.

Indem Hendrix die bekannte Hymne an den amerikanischen Schlachtsieg aufnahm und explosive Whammy-Bar-Dives und hohe Quietschgeräusche einfügte, um menschliche Schmerzensschreie nachzuahmen, nutzte Hendrix seine Gitarre, um seine Zuhörer in die chaotische und beunruhigende Klangrealität der Schlacht selbst einzutauchen.

Hendrix, der beim Militär gedient hatte, verstand den Schrecken, die Trauer und die Tapferkeit, die mit dem Krieg verbunden sind, und wusste, dass das, was er ausdrücken wollte, unbeschreiblich war, also ließ er stattdessen seine Gitarre sprechen. Wie durch ein Wunder verwandelte er seine Fender Stratocaster in ein Instrument für politische Kommentare und gesellschaftlichen Wandel – und jeder verstand es.

Ist es seltsam, den Abschnitt über moderne Zeiten mit einem Eintrag über Vintage-Gitarren zu beginnen? Definitiv. Aber die Wahrheit ist, dass die Vorstellung von horrenden Preisen für alte Instrumente ein ziemlich neues Konstrukt ist.

In den 1970er Jahren waren die amerikanischen Gitarrenhersteller nachlässig geworden und hatten beim Bau neuer Gitarren Abstriche gemacht. Diese Entwicklung führte dazu, dass Musiker ältere Instrumente neu bewerteten und zu ihrer Überraschung stellten kluge Köpfe wie Joe Walsh (Eagles) und Rick Nielsen (Cheap Trick) fest, dass sie verdammt gut waren.

Aber der Mann, der vielleicht am meisten für die Verbreitung des Vintage-Evangeliums verantwortlich war, war George Gruhn, Besitzer der weltberühmten Gruhn Guitars in Nashville. Gruhn eröffnete 1970 sein erstes Geschäft, das sich auf gebrauchte und ältere Gitarren spezialisierte.

„Damals gab es in der Nähe keine Geschäfte, die Vintage-Instrumente verkauften“, sagte Gruhn. „Und ernsthafte Musiker waren nicht an neuen Sachen interessiert, weil alles Mist war; 1970 war ein Tiefpunkt für die Qualität neuer Instrumente. Also trafen wir Crosby, Stills, Nash & Young, Bob Dylan, Joni Mitchell, Eric Clapton, Duane Allman … was auch immer.“

Von diesem Zeitpunkt an wuchs die Mystik klassischer Instrumente immer weiter, ebenso wie Gruhns Werkstatt. Gruhn Guitars residiert jetzt in einem dreistöckigen Gebäude in der 2120 8th Ave. South in Nashville, und ein Besuch dort kann überwältigend sein. Aber die Chancen stehen gut, dass Sie auf etwas stoßen, das hipper und heißer ist als alles, was Sie im Guitar Center finden.

Kein anderes Musikgenre hat so viel dazu beigetragen, die E-Gitarre am Leben zu erhalten und zu tuckern, tuckern, tuckern wie Heavy Metal. Eines haben Bands wie Ghost, Polyphia, Lamb of God oder Apes jedoch alle gemeinsam: Sie sind den Urgesteinen des Metals, Black Sabbath, zu Dank verpflichtet.

Das Debüt von Black Sabbath wurde in einer einzigen 12-stündigen Session am 16. Oktober 1969 aufgenommen und gilt weithin als das erste Heavy-Metal-Album. Im Mittelpunkt des innovativen Heavy-Sounds der Band stand die verstimmte Gitarre des Gitarristen Tony Iommi. Ein Großteil seines neuen Sounds entstand nach einem Unfall in einer Blechfabrik, bei dem die Spitzen der Mittelfinger von Iommis Greifhand abgetrennt wurden.

Entschlossen, weiterhin Gitarre zu spielen, fertigte er aus Plastik aus einer Spülmittelflasche ein Paar falsche Fingerspitzen an und verstimmte die Saiten seiner Gitarre, um das Biegen der Saiten zu erleichtern. Das Ergebnis war ein gigantischer neuer Gitarrenklang.

Seine Beeinträchtigung schränkte auch seine Auswahl an Noten ein und zwang ihn, sich auf den Aufbau seiner Kompositionen rund um Power-Akkorde und Quintenparallelen zu konzentrieren, die ebenfalls zu einem Markenzeichen des Heavy Metal wurden.

„Ich habe eine Menge Akkorde gespielt und musste Quinten spielen, weil ich wegen meiner Finger keine Quarten spielen konnte“, sagte Iommi.

Während Kritiker der damaligen Zeit die Musik von Black Sabbath als „Bullshit-Nekromantie“ abtaten, besteht kein Zweifel daran, dass die Musik und der Einfluss der Band noch lange weiterleben werden, wenn wir alle unter der Erde sind.

Für jedes „Yin“ muss es ein „Yang“ geben, und wenn Black Sabbath mit Songs wie Paranoid eine metallene Treppe zur Hölle eröffnet hat, dann überlassen Sie es Led Zeppelin, als Reaktion darauf eine himmlische Treppe zum Himmel zu konstruieren. Ja, auf lange Sicht geht man zwei Wege, und es bleibt immer noch Zeit, aus dem örtlichen Musikgeschäft rausgeworfen zu werden, indem man eine beschissene Version von beidem spielt.

Eine der unvermeidlichen Folgen des Niedergangs der Gitarrenherstellung in den 1970er Jahren war die Entstehung der „Aftermarket-Ersatzteilindustrie“ – ein unsexy Name für eine einfallsreiche Gruppe unabhängiger Bastler, die mit der Herstellung von Gitarrenteilen und -zubehör begann, die minderwertige, fabrikgefertigte Instrumente verbesserten .

An der Spitze dieser Revolution stand ein junger Musiker und Gitarrentechniker aus Staten Island, New York, namens Larry DiMarzio, der 1972 seinen ersten Super Distortion-Tonabnehmer als Ersatz für die werkseitig hergestellten Gibson-Humbucker baute.

„Ich habe aus praktischsten Gründen angefangen, meine eigenen Pickups zu bauen“, sagt DiMarzio. „Ich wollte, dass meine Gitarre besser klingt. Ich wollte einen größeren Klang bekommen als den, den ich mit den damaligen Standard-Tonabnehmern bekommen konnte. Es stellte sich heraus, dass das bei anderen auch der Fall war.“

Paul Reed Smith hörte den Ruf des Schicksals schon früh. Mit 16 Jahren begann er in der Holzwerkstatt der High School mit dem Gitarrenbau zu experimentieren, aber in seinem Abschlussjahr war es zu einer echten Obsession geworden, als er eine Teilzeitstelle als Instrumentenbauer am Washington Music Center in Maryland bekam.

Während seiner Tätigkeit war er oft schockiert über das, was er sah. Es war eine Sache, ein älteres Instrument zu reparieren, das unbrauchbar geworden war, aber meistens wurde er gebeten, brandneue Instrumente zu reparieren, die direkt von den Fabriken geliefert worden waren.

„Ich sah eine Chance“, sagte er. „Ich sah mich nicht als jemanden, der die Gitarrenindustrie verändern würde, aber ich konnte erkennen, wie ich etwas bewirken konnte, indem ich die Dinge richtig machte.“

Ich sah mich nicht als jemanden, der die Gitarrenindustrie verändern würde, aber ich konnte erkennen, wie ich etwas bewirken konnte, indem ich die Dinge richtig machte

Und genau das hat er getan. 1976 baute er einige seiner frühesten Gitarren für „Motor City Madman“ Ted Nugent und Peter Frampton, und in der Gitarrenelite verbreitete sich schnell die Nachricht von diesem jungen Genie aus Maryland und seinen spektakulären Instrumenten. Zehn Jahre später gründete er PRS Guitars und sein kontinuierliches Streben nach Exzellenz machte ihn zu einem der größten und angesehensten Gitarrenhersteller der Welt.

„Es war Paul Reed, der Smith verdammte, der Gibson und Fender dazu zwang, wieder ins Spiel einzusteigen“, sagte Nugent. „Ende der 1980er Jahre wurde ihnen klar, dass dieser Junge ihnen in den Arsch tritt, und sie fingen schließlich wieder an, wirklich gute Gitarren zu bauen.“

Wenn Sie die letzten vier Beiträge von fünf Einträgen aufmerksam verfolgt haben, ist Ihnen wahrscheinlich ein Thema aufgefallen: Amerikanische Gitarrenfirmen wie Fender und Gibson erlebten in den 1970er Jahren eine schwierige Phase.

Der Qualitätsrückgang war in erster Linie auf Unternehmensübernahmen zurückzuführen, die versuchten, ihre Gewinne durch Abstriche bei der Qualität zu maximieren, und wie wir gesehen haben, waren Leute wie Larry DiMarzio und Paul Reed Smith mit der Situation nicht allzu zufrieden. Und Sie können dieser Liste noch einen Namen hinzufügen: einen jungen Niederländer namens Eddie Van Halen, der nichts finden konnte, was in seinen Ohren „richtig“ klang.

Seine Lösung war dieselbe wie ihre. Er nahm die Sache selbst in die Hand. Indem er verschiedene Teile von Gitarren nahm, die ihm gefielen – hier einen Gibson-Humbucker und dort ein Strat-Vibrato-System – und sie auf einen Ersatz-Eschekorpus aus einem örtlichen Laden klatschte, bastelte er die wohl kultigste Gitarre in der Geschichte des Rock'n'Roll zusammen und der wahre Prototyp der überaus beliebten Super Strat.

„Die Leute sind darüber gestolpert, aber ich würde alles versuchen, damit etwas funktioniert“, lachte der verstorbene Eddie Van Halen. Und das ist eine Gitarrenstunde, die es wert ist, gelernt zu werden.

Noch ein Magazin nur für Gitarristen? Nun, das ist einfach lächerlich ...

Die meisten Spieler denken wahrscheinlich, dass Verstärkersimulatoren relativ neue Erfindungen sind, aber sie sind so alt wie Boston – das heißt die Band.

Tom Scholz, das Gitarrengenie hinter Bostoner Hits wie „More Than a Feeling“ und „Don't Look Back“, war ein am MIT ausgebildeter Ingenieur und gründete 1982 sein eigenes Unternehmen für Gitarrentechnologie, Scholz Research & Design. Sein erstes Produkt war der Rockman-Kopfhörer-E-Gitarrenverstärker, ein bemerkenswertes Gerät, das auch direkt an das Mischpult auf der Bühne oder im Studio angeschlossen werden konnte und für viele Gitarristen praktisch zu einer DI-Box wurde.

In vielerlei Hinsicht wurde es zum Sound der 1980er Jahre und wurde fast ausschließlich von Def Leppard auf ihrem bahnbrechenden Album „Hysteria“ sowie von den Künstlern Joe Satriani und Megadeth verwendet.

Der Rockman war eine innovative Idee, aber es dauerte eine Weile, bis andere Unternehmen sie verstanden, angefangen mit dem legendären SansAmp von Tech 21 aus dem Jahr 1989. Heutzutage sind die digitale Verstärkersimulation und ihr anspruchsvollerer großer Bruder, die Verstärkermodellierung, verbreiteter denn je, allen voran der Kemper Profiler und Axe-FX von Fractal Audio. Aber alles geht auf den klugen Kopf aus Boston zurück, den niederträchtigen Scholz.

Als MTV am Samstag, dem 1. August 1981, um 00:01 Uhr Eastern Time sein Debüt gab, wurde es mit den Worten „Meine Damen und Herren, Rock and Roll“ gestartet. Und für die nächsten paar Jahre war das ihr Schwerpunkt: Rock'n'Roll. Insbesondere Rock'n'Roll, dargeboten von weißen Künstlern wie Def Leppard, Billy Idol und Van Halen.

Als der Musiksender explodierte, fühlten sich natürlich beliebte schwarze R&B- und Hip-Hop-Musiker ausgeschlossen, wenn nicht sogar regelrecht diskriminiert. Und das zu Recht. Dennoch waren die Führungskräfte von MTV mit der Art und Weise, wie der Sender empfangen wurde, zufrieden und blieben größtenteils taub.

Erst mit „Beat It“ von Michael Jackson, das ein von Steve Lukather aufgenommenes und von einem spektakulären Solo von Eddie Van Halen aufgenommenes Heavy-Metal-Riff enthielt, begann der Musiksender zu erkennen, dass schwarze Musik ein wesentlicher Bestandteil seines Programms sein könnte und sollte mischen.

Kurz darauf öffnete MTV die Tür für Jackson und andere afroamerikanische Künstler wie Prince, Whitney Houston, Tina Turner, Lionel Richie und Run-DMC, und die Musikwelt war ein viel besserer Ort dafür.

Seitdem Muddy Waters Ende der 1940er Jahre zum ersten Mal seine Slide-Gitarre anschloss, spielte der Blues eine wichtige Rolle in der weiteren Geschichte der E-Gitarre. Doch in den 1980er Jahren begann das Genre antiquiert zu wirken, vor allem im Vergleich zu dem Feuerwerk, das Rocker wie Van Halen, Randy Rhoads und Steve Vai hervorbrachten.

Mit Texas Flood änderte Stevie Ray Vaughan das und erweckte den Blues fast im Alleingang von den Toten zurück. Indem SRV den Formalismus von Eric Clapton mit der Wildheit von Jimi Hendrix verschmolz und eine Prise virtuoser Prahlerei hinzufügte, die im Hair Metal der 1980er Jahre zu finden war, machte SRV das Spielen des Blues wieder hip.

Trotz seines frühen Todes im Jahr 1990 im Alter von 35 Jahren kann dem texanischen Gitarristen das Verdienst zugeschrieben werden, den Weg für neue Generationen von Bluesgitarristen geebnet zu haben, darunter Joe Bonamassa, Eric Gales, Gary Clark Jr., Samantha Fish, Marcus King und andere. Das Ergebnis ist, dass der Blues immer noch lebendig und gesund ist und die Szene so lebendig ist wie nie zuvor.

So wie Dutzende junger Briten in den 1960er Jahren die Musik des schwarzen amerikanischen Blues neu verpackten und sie uns als Rolling Stones, Yardbirds und Cream verkauften, revanchierten sich drei aggressive Amerikaner (und ein ziemlich geschwätziger Schlagzeuger aus Dänemark), indem sie sie stahlen Sie konnten in den 1980er-Jahren so viel wie möglich von britischen Metal-Bands wie Judas Priest, Iron Maiden und Motörhead gewinnen und dabei Millionen verdienen.

Natürlich haben Metallica diesen Einflüssen ein wenig ihre eigene Note verliehen, indem sie das Tempo beschleunigt und jeden schnellen Power-Akkord mindestens ein oder zwei Pfund schwerer gemacht haben. Und es waren diese kleinen Abweichungen, die eine Revolution auslösten, die bis heute andauert. Die Geschwindigkeit, Kraft und Beweglichkeit von Metallica öffneten die Tür für Slayer, Megadeth, Anthrax, Testament und so ziemlich jede Metal-Band, die nach ihnen kam.

Wenn Steve Vai durch seine bahnbrechende Arbeit mit Frank Zappa und seine Soloalben wie „Passion“ und „Warfare“ der E-Gitarre ein neues Maß an Virtuosität verliehen hätte, hätte er als Game Changer einen Platz auf dieser Liste verdient. Aber es ist vielleicht sein Beitrag zum E-Gitarren-Design, der am Ende den nachhaltigsten Einfluss auf das Instrument haben wird.

Während Eddie Van Halen mit seiner innovativen Frankenstein-Gitarre den Löwenanteil der Aufmerksamkeit auf sich zieht, ist Vais charakteristische JEM-Serie vielleicht genauso innovativ und einflussreich.

Mit Features wie einem schwebenden Whammy Bar, einem 24-bündigen Hals mit tieferem Cutaway, einer reißfesten Eingangsbuchse, einer Kombination aus Humbucker- und Single-Coil-Tonabnehmern für maximale klangliche Flexibilität und einer überaus wichtigen siebten Saite auf seinem JEM Als Universe-Modelle sind Steves Ibanez-Signature-Gitarren der Ground Zero für alle sieben-, acht- und neunsaitigen New-School-Gitarren, die in ihrem Gefolge folgten.

Als der Gitarrist Brian Patrick Carroll alias Buckethead aus Pomona, Kalifornien, sein erstes Album Bucketheadland auf John Zorns japanischem Avant-Label veröffentlichte, löste dies bei Gitarristen ein kollektives Aufschreien aus.

Erstens war da sein Aussehen – er trat nur mit einer ausdruckslosen weißen Maske auf, auf deren Kopf ein KFC-Eimer saß. Das war zwar irgendwie verrückt, aber es war nicht zu vergleichen mit übernatürlichen Schlägen, die schnelle Spieler wie Joe Satriani, Eddie Van Halen, Yngwie Malmsteen und Paul Gilbert klingen ließen, als würden sie im Treibsand laufen. Mit Bucketheadland hat er schiere Geschwindigkeit und Technik auf ein neues Niveau gehoben.

Seitdem ist eine neue Generation ebenso erstaunlicher Gitarristen entstanden, deren Hauptziel darin zu bestehen scheint, andere Spieler zum Weinen zu bringen, darunter Tosin Abasi und Javier Reyes (Animals As Leaders); Tim Henson und Scott LePage (Polyphia), Guthrie Govan und Andreas Varady.

Vor etwas mehr als 20 Jahren – als die meisten von uns gerade erst damit begannen, sich mit der Idee auseinanderzusetzen, unser gesamtes Leben auf unseren Laptop zu packen – kam ein schlauer Kerl bei Line 6 auf die Idee, eine ganze Reihe begehrenswerter Verstärker hineinzustopfen Auch dort war die von Amp Farm lizenzierte Amp-Modellkollektion geboren.

Heutzutage sind Plugins von Firmen wie BIAS, Blue Cat, IK Multimedia und Line 6 in Aufnahmestudios so verdammt allgegenwärtig, dass man froh sein kann, wenn man nicht von einem Tontechniker zur Tür begleitet wird, wenn man mit einem herkömmlichen Kopf und einem Tonstudio ankommt 4x12-Kabine.

Als Guitar World vor ein paar Jahren mit John Meyer sprach, sagte er, dass er immer noch einen Verstärker bei sich hat, wenn er eine Session macht, aber in 99 Prozent der Fälle wird der Produzent den Direct-to-Digital-Track im endgültigen Mix verwenden. Sind herkömmliche Verstärker Toast? Wer weiß. Aber an den Rändern werden sie definitiv etwas braun.

Wenn Sie das nächste Mal eine NAMM-Show betreten und all diese seltsam aussehenden Gitarren bemerken, die wie Vintage-Couchtische aussehen, und sich fragen, wo zum Teufel sie herkommen, danken Sie (oder geben Sie ihm die Schuld) Jack White, der die Airline-Gitarre zu einer Retro-Ikone gemacht hat.

Im Jahr 2003 hatte der australische Gitarrist, Songwriter und Pädagoge Justin Sandercoe eine tolle Idee: Warum nicht ein paar Gitarrenstunden online anbieten, um für seinen privaten Einzelunterricht zu werben?

Aufgrund seines liebenswürdigen Auftretens und der Klarheit seines Unterrichts wurde Sandercoe ein früher YouTube-Superstar, und seine Idee fing Feuer und inspirierte unzählige Gitarrenlehrer, dasselbe zu tun. Und es ist kostenlos.

Es ist nicht schwer, ein neues Gitarrendesign zu entwickeln, aber es ist fast unmöglich, eines zu entwickeln, das Tausende von Spielern lieben wird. Da Frauen wie Yvette Young, Rebecca und Megan Lovell (Larkin Poe), Nita Strauss, Nili Brosh und Sophie Lloyd zu den hellsten Köpfen der zeitgenössischen Gitarre aufsteigen, macht es vielleicht Sinn, dass sie die angesagteste und beliebteste Gitarre seit Ewigkeiten ist wurde von Anne Clark aus St. Vincent erstellt.

Ihr kantiges Instrument mit seinen Mini-Humbuckern, das von Clark und Leuten wie Jack White, Tom Morello und J Mascis verwendet wird, hat allgemeines Lob von Gitarrenmagazinen erhalten, wobei Chris Gill von Guitar World sagte: „Das kühne Design der Gitarre ist genau das Richtige.“ Gitarristen werden sie von Anfang an entweder lieben oder hassen, aber es ist unmöglich, sich nicht in sie zu verlieben, wenn man sie in die Hand nimmt und spielt. Egal, ob man im Sitzen oder im Stehen spielt, alles passt perfekt an seinen Platz und der Hals bettelt geradezu gespielt werden.

Unsere Vorhersage: Bewegen Sie sich, Les Paul; Das St. Vincent-Modell wird es noch sehr lange geben.

Okay, es bringt mich insgeheim dazu, einen Verstärker zu entdecken, der intelligenter zu sein scheint als ich. Seufzen. Vielleicht muss ich zu einem Mechaniker gehen und den Schlauch „erneuern“ lassen. Allerdings sind der Spark und sein kleiner Bruder, der batteriebetriebene Spark Mini, ziemlich brillant.

Sie gehören nicht nur zu den am besten klingenden Übungsverstärkern auf dem Markt, sondern verfügen auch über eine Begleit-App, mit der Sie mehr als 10.000 Sounds programmieren und optimieren können. Wenn das nicht genug ist, verfügt die Spark-App auch über eine Funktion, die analysiert, was Sie spielen, und automatisch einen Bass- und Schlagzeugpart erstellt, der es ergänzt, und wenn Sie sich faul fühlen, kann sie auch die Akkorde zu Ihrem Favoriten herausfinden Lieder.

Ist KI die Zukunft? Höchstwahrscheinlich. Wenn sie jetzt nur einen Verstärker erfinden könnten, der ein kühles Bier ausschenkt …

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Vor langer Zeit, in einer weit, weit entfernten Galaxie, war Brad von 1990 bis 2015 Herausgeber von Guitar World. Seit seinem Weggang ist er Autor von Eruption: Conversations with Eddie Van Halen, Light & Shade: Conversations with Jimmy Page und Play it Loud: Eine epische Geschichte des Stils, Klangs und der Revolution der E-Gitarre, die 2019 die Inspiration für die Play It Loud-Ausstellung im Metropolitan Museum of Art in New York City war.

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